Por un lado están las historias en las que el destino puede cambiarse fácilmente. Como ejemplo de esto tenemos “Regreso al futuro”, donde Marty McFly cambia el transcurso de los acontecimientos y estos afectan directamente a su línea temporal, amenazando incluso su propia existencia.Después, tenemos la franquicia de Terminator, en la que el Armagedón nunca se detiene del todo, pero se puede evitar durante un tiempo. También tenemos los cómics de franquicias como DC y Marvel, donde algunos acontecimientos -los asesinatos de familiares de Batman o del tío Ben, por ejemplo de Peter Parker- son fijos y otros pueden cambiarse de forma totalmente aleatoria. Por último, llegamos al otro extremo y llegamos por tanto a 12 Monos, donde la historia se escribe con hierro.

Bruce Willis, interpreta a James Cole en 12 monos. Al principio de la película de Terry Gilliam de 1995, vemos como Cole es considerado loco por sus delirios cómo es enviado desde 2035, donde la humanidad vive en lúgubres túneles subterráneos después de haber abandonado la superficie por una pandemia provocada por un virus (sí, como el COVID-19). La película cuenta la historia de Cole en un curso cronológico que es o una verdadera locura o tan simple como una película de viajes en el tiempo se nos puede antojar. Aunque hay momentos en la película en los que parece que el destino podría cambiarse, la conclusión. de esta obra maestra profundamente pesimista (alerta de spoiler) indica claramente que Cole tiene razón: la humanidad va a caer y nadie podrá evitarlo.

Esta pregunta es el centro del argumento de 12 Monos. Además de ser visualmente impresionante y de estar llena de encanto en la interpretación, hace un llamamiento que es muy necesario en estos tiempos oscuros. En definitiva, 12 Monos ofrece una visión de la curiosa alegría y esperanza que debemos abrazar cuando todas las formas convencionales de la misma se han perdido.

La película sigue a Cole que va y viene entre los años 90 y 2030, interactuando entre la era pre-virus con una psiquiatra llamada Kathryn Railly (la subestimada Stowe Madeleine) y un eco-activista mentalmente inestable llamado Jeffrey Goines (un poco “demasiado nervioso Brad Pitt). Su misión, decretada por científicos autoritarios en los años 30, no es impedir el fin del día, sino encontrar una muestra del virus en su forma más temprana y traerla para poder sintetizar una cura. No hay esperanza para la gente de Cole ve en su viaje en el tiempo. 

Somos capaces de encontrar algún tipo de alegría en 12 monos:la importancia de los placeres transitorios de nuestro día a día. Mientras que en los años 90, vemos a Cole haciendo gradualmente una transición. Al principio, está en una ferviente misión de sentido, tratando de canonizar su camino por el mundo, para conseguir lo que necesita del pasado y volver al presente, lo antes posible. Pero a medida que continúa su viaje, le encontramos tomándose más tiempo para saborear los últimos días antes de que la humanidad haya perdido su batalla con la naturaleza y se haya retirado a la vida bajo la superficie del planeta.

En un momento dado está en un coche con Railly (está después del secuestro y antes de empezar una historia de amor) con la radio y escuchan a Fats Domino “Blueberry Hill”. Se ríe mientras las lágrimas comienzan a resbalar por sus mejillas. “¡Me encanta la música del siglo XX! “, exclama. “¡Me encanta esta melodía! ¡Me encanta respirar ese aire! “. Aspira profundamente el oxígeno y saca la cabeza por la ventana, desplomándose.

Es un buen momento, he pensado a menudo desde que he visto 12 monos. La alegría no es enemiga de la acción; de hecho, sin alegría, difícilmente se puede imaginar encontrar un motivo de preocupación. Dicho esto, tenemos la obligación de no pasar todas nuestras horas asumiendo que no se puede hacer nada. La película advierte contra el hedonismo justo en el momento en que Cole interactúa brevemente con un enfermo mental que describe sus fantasías sobre la vida en otro planeta y concluye: “Huyo de algunas realidades sin nombre que afligen mi vida aquí”. Cuando deje de ir allí, estaré bien. Estamos bien si vivimos en la alegría todo el tiempo. Pero vale la pena probar lo que se pueda, aquí y allá.

¿Y la esperanza? Hay una mezcla de deber y locura dulce y benévola. A primera vista, 12 monos nos proporcionan casi exclusivamente terror. Gilliam y su equipo ofrecen una visión inolvidable del mundo donde habita Cole, donde comienza la narración. Es un mundo en el que, como él dice, los humanos viven “como gusanos” en lo que parecen ser enormes tanques de aguas residuales subterráneos. Allí es un prisionero, encarcelado por delitos no detallados, encerrado en una jaula no más grande de lo que se puede conseguir para un perro. La vez que vemos el mundo de la superficie post-virus, que ha sido recuperado por los animales: osos y leones merodeando entre los edificios agrietados de lo que una vez fue Filadelfia. En los años noventa tenemos premoniciones de desastre, y no sólo de Cole. Goines habla regularmente sobre la humanidad y cuando Cole habla de un apocalipsis viral, responde: “¿Aniquilar a la raza humana? ¡Es una buena idea!”. 

Cuando nos encontramos con un virólogo que resulta ser el autor de Armagedón (David Morse), asiste a una conferencia sobre los profetas de la fatalidad a lo largo de la historia. “Creo, Dr. Railly, que ha dado un mal nombre a los alarmistas”, dice antes de enumerar todas las formas en que la humanidad se está destruyendo a sí misma, y a la biosfera.”

En un salto admirablemente audaz hacia la oscuridad, la película continuó con estas nociones hasta el final. No hay ningún punto en el que alguien defienda el triunfo de la humanidad y diga que el amor seguramente lo conquistará todo. Sin embargo, hay breves momentos en los que los personajes creen que pueden despojarse de su cruel y fatídica resignación: en su viaje final a los años 90, Cole intenta decidir quién está loco, y su presencia en la “alucinación de los 30 años fue una”, y se va a Railly con ella, pero cuando empieza Cole a predecir con exactitud lo que no podría saber si no le hubiera visto ya cómo se desarrollarían los acontecimientos, sigue dudando. En las escenas finales de la película, Cole ve a un virólogo en un aeropuerto, reconoce su plan e intenta perseguirlo y detenerlo. Pero esto hace que Cole sea disparado por la policía antes de que pueda alcanzar su objetivo, también nos muestra que el virólogo ya había abierto  su primera botella del virus. Después de todo, es demasiado tarde.

12 monos nos recuerda que podemos aprender de los días que vivimos, para mejorar el mundo que viene. Seguimos viviendo en el presente, y todavía hay trabajo que hacer y demanda que vivir. Incluso Cole, al final de la historia, parece darse cuenta de esto, y, en los años 90, las líneas de que deberían resonar en nuestras cabezas: “Este es el presente. Esto no es el pasado. Esto no es el futuro. Este es el presente“.

En este artículo analizamos “Raya y el último Dragón”, lo último en entretenimiento con dragones de Disney.

A Hollywood le encantan los dragones. Están “Juego de Tronos”, “Corazón de Dragón”, el mucho mejor remake de 2016 de “El Dragón de Pete” y el estándar de oro de los tragafuegos, “Cómo entrenar a tu dragón”, una de las mejores películas familiares de CGI jamás realizadas.

Hay algo muy peculiar en una mascota que puede destruir a todos tus enemigos sin levantar una garra.

“Raya”, que tiene mucho que ofrecer, no es tan emocionante como cualquiera de estas otras películas o programas de televisión. La princesa del título, la primera princesa del sudeste asiático de Disney, no hace llorar en sus momentos de triunfo, y la historia se pierde en una lucha geopolítica de naciones rivales que se esfuerza demasiado por ser relevante. 

En definitiva, el trabajo de CGI independiente de Disney en Pixar ha encontrado por fin consistencia y “Raya” se une a “Frozen”, “Zootopia” y “Moana” en su lista de películas divertidas y de gran calidad.

Realmente hay mucha intriga. Estos estados beligerantes formaron en su día parte de la Tierra de Kumandra, un colectivo que rodeaba un lago con forma de dragón. Los territorios se llaman Corazón, de donde es Raya (a la que pone voz Kelly Marie Tran), Talón, Colmillo, Cola y Columna. El mapa es la viva imagen de la bandera “Join or Die” de la Guerra de la Independencia, que cualquier aficionado a la historia reconocerá sin duda.

Quinientos años antes, los Cinco Pueblos coexistieron pacíficamente junto a coloridos dragones parlantes cuya magia les trajo prosperidad y objetos útiles como el agua.

Entonces, un grupo de feroces monstruos de humo llamados Droon irrumpió y convirtió en piedra a muchos ciudadanos y dragones. Pero un dragón llamado Sisu (Awkwafina) creó una poderosa gema para salvar el mundo.

Al principio de “Raya”, los pueblos enemigos luchan por la piedra y la rompen en cinco pedazos, liberando de nuevo al Droon y condenando a los Kumandran. Depende de Raya viajar a cada tierra lejana, escalar la roca y traer de vuelta a su padre, que fue congelado por el Droon, mientras reúne amigos en el camino.

Todo el espectáculo es intimidante, por no hablar de su extraño “Señor de los Anillos”. – pero una vez terminada la larga lección de historia, la película se convierte en “Buscando las piedras”,

Avanzamos hasta seis años después del desastre de Droon, cuando Raya convoca a Sisu para que le ayude en su heroica búsqueda.

Destaca especialmente porque la película de Disney es realmente más una película de acción que la rutina habitual de las princesas. Raya no tiene experiencia en la formación, ni en el canto, ni en el intento de complacer a su padre, ni en la trama romántica, ni en la ayuda para vestirse. Lo que hay son ballestas y espadas.

Y en ese sentido es un éxito. Las batallas y las misiones de cada lugar son visualmente emocionantes. Uno de ellos es un mercado flotante de estilo asiático bellamente representado, mientras que otro es un desierto de “Mad Max”, con cortes de pelo de Charlize Theron a juego.

Aunque la parte de la arena no sea tan satisfactoria como podríamos esperar, por lo menos sigues descargando adrenalina.

La película de Amazon Prime estrenada en 2021 en España, presenta a Johnny Depp enfrentándose a una dura pregunta: ¿qué harías si tu vida estuviera llegando a su fin? Un profesor moribundo, Richard, decide rechazar en gran medida el cambio de vida que supone el diagnóstico de un cáncer de pulmón en fase cuatro y contárselo sólo a un amigo. Todos los demás piensan que está teniendo una crisis: dejando de lado su horario de clases, fumando marihuana con sus estudiantes en el campus, teniendo sexo con una camarera al azar… Sin embargo, la oportunidad de que alguien que realmente le importa un bledo brille por su sabiduría vital se pierde en el guión del guionista y director Wayne Roberts, que está más supeditado a los clichés para sentirse bien de lo que indica su apariencia demasiado cool para la escuela. 

La historia llega a su punto álgido al principio, durante los créditos iniciales, mostrando a Richard intentando reconducir su vida mientras deambula por su exclusivo campus universitario de Nueva Inglaterra. Se le ve murmurar y luego gritar, el mismo sentimiento, “F**k”. Con Depp y su irascible presencia, lo dice todo. Richard se sumerge entonces en un estanque sucio y no mira atrás, una especie de apatía que inicia el resto de su viaje interior. A medida que avanza la historia, Richard tiene más palabras para compartir su experiencia, especialmente cuando se acerca a la naturaleza finita de la mortalidad, pero dejan mucho que desear.

El concepto es prometedor: Roberts, en colaboración con el director de fotografía Tim Orr, crea estos pintorescos espacios para los papeles de la vida de Richard -su comedor de clase media-alta, su anticuada universidad, un acogedor bar local- preparando estos espacios con encuadres centrales a lo Wes Anderson para que Depp pueda entrar e interrumpirlos. Pero es lo que sucede en los escenarios lo que hace que la película sea decepcionante: emociones vacías y arcos de personajes que no van a ninguna parte, incluyendo a Rosemarie DeWitt como la esposa a la que se acerca después de que ambos reconozcan que prefieren acostarse con otras personas pero estar juntos por su hija, Taylor (Kaitlyn Bernard). Peor aún, Roberts no puede hacer que Richard sea gracioso: los golpes cómicos improvisados que implican que Richard diga o haga algo aparentemente abrasivo siempre caen en saco roto.

Por ejemplo, la clase de “La sociedad de los poetas muertos” de Richard: cumpliendo el sueño de muchos instructores como él, despista a muchos niños. Los que no leen libros en su tiempo libre, los que quieren entrar en el mundo de los negocios, los que van en chándal. Pero este desarrollo le convierte poco a poco en una parodia de profesor alternativo, por la forma en que no oculta su desprecio por un par de alumnos que se quedan, o utiliza su agresiva incomodidad como una especie de sermón mientras sus alumnos se sientan a su alrededor. Incluso los personajes periféricos están aplastados aquí, como Zoey Deutch como una de sus estudiantes. Se convierte en una improbable amiga en la que apoyarse brevemente en la historia, pero queda relegada a otro estudiante que escucha su cursi consejo: “En cualquier momento estamos componiendo las historias de nuestras vidas”. Para cuando Richard llega a su grandiosa declaración final, “Tomad vuestra puta existencia, gente”, nos ha perdido.

Depp es lo suficientemente carismático en la película, o al menos parece cómodo interpretando a este profesor, siempre arrastrando las palabras y revelando poco a poco la tristeza que hay detrás de su ambivalencia. Pero a medida que la historia se vuelve más obvia de lo que parece, la leve diversión de ver a Richard rechazar sus papeles en la vida se desvanece y su actitud de pacotilla hacia las mujeres (destrozar a una estudiante feminista, besar a la fuerza a la mujer del secretario de la universidad) se vuelve patética y aburrida. Y cuando la cara de Richard se vuelve más hueca y gris, con Depp pareciendo que está en el tren expreso hacia la muerte o hacia una nominación a los Globos de Oro, ningún personaje parece darse cuenta, como una broma pesada de la propia película.

No hay nada de malo en un poco de profundidad sobre el fin de la vida, es sólo que con “El Profesor” no hay nada más. La película de Roberts no vincula bien la apatía inicialmente rebelde de Richard y sus posteriores declaraciones sinceras, pero sí deja claras ambas actitudes vitales, lo que da lugar a un primer y segundo acto aceptables y a un tercero largo y tedioso. Es demasiado fácil imaginar que Richard no se emocionaría con el desenlace de su vida si no que, probablemente, pondría los ojos en blanco.

Un cruce entre dos franquicias icónicas parece que debería ser más grande que una película de animación de DTV, pero Batman vs Teenage Mutant Ninja Turtles consigue ser, si no épica, al menos lo suficientemente satisfactoria para los fans de ambas propiedades.

Basada en la miniserie de cómics, la película empieza cuando las tortugas deciden seguir los pasos del Clan del Pie, que comete una serie de robos en una empresa tecnológica de Gotham City. Un malentendido los pone en desacuerdo con el Caballero Oscuro, ya que ambas partes sospechan que el otro está trabajando con el pie. Afortunadamente, la controversia, más bien austera, se resuelve con bastante rapidez, y la película no tarda en perder de vista las interacciones entre las tortugas y la familia del murciélago.

En su mayor parte, son piezas divertidas, con las tortugas impresionando y molestando alternativamente a sus invitados de Gotham. Batman y Leonardo se unen por sus habilidades de lucha, mientras que Donatello y Batgirl encuentran una relación a través de la tecnología. Mientras tanto, Michelangelo encuentra la manera de molestar a Robin y Alfred con su idiotez desenfadada. (Curiosamente, Raphael no parece tener mucho que hacer además de observar y lanzarse a la batalla medio armado).

Sin embargo, lo mejor de Batman vs. Teenage Mutant Ninja Turtles es la acción, y en ese sentido es más que efectiva. Las secuencias de batalla están animadas con detalles aterradores, incluyendo las batallas de Batman con Shredder y las tortugas. Una extensa secuencia ve a Batman y a su equipo ampliado luchando especialmente con versiones mutadas de los ladrones de Arkham. Lo más sorprendente es que las incursiones de los clanes a pie se realizan con una eficacia despiadada.

Esto plantea la pregunta: ¿para quién es realmente esta película? Aunque la trama parece estar dirigida directamente a los niños, la violencia es sorprendentemente gráfica para una película familiar de animación. (Las cabezas ruedan literalmente en un momento dado.) No es del todo una queja, aunque cuando se asocia la violencia con el guión simplista, da a la película una calidad extrañamente atonal.

Si te gusta Batman o TMNT, esas críticas no importarán. Disfrutarás viendo el duelo de Batman con Shredder y a Donatello formando equipo con Batgirl para luchar contra un Bane supercargado. No es la mejor película de las dos series, pero Batman vs. Teenage Mutant Ninja Turtles es un divertido encuentro de iconos.

Actualmente la película está disponible en la plataforma Youtube Premium.

Nuestro niño interior ama a Andy Kaufman. Nosotros éramos así. ¿Quién no recuerda haber molestado a nuestros amigos durante horas y horas con la misma estúpida idea cómica una y otra vez? ¿Quién no quería admitir que estaba equivocado? “No voy a dejarlo”, dicen, “hasta que tú lo dejes primero”. Hasta que te rías, o estés de acuerdo, o grites “tío, para ya”. Puedo seguir toda la noche si es necesario”. Así es como Andy Kaufman se acercó al mundo. La diferencia es que él intentó ganarse la vida como comediante. 

El público tiene una forma de pedir que se le entretenga. El espectáculo de Kaufman era esencialmente una meditación sobre la idea del entretenimiento. Quería entretenerte, pero primero tenías que ceder. Había que reírse de algo realmente estúpido, o dejarlo pasar con algo aburrido o escandaloso. Si pasabas la prueba, era como un niño, feliz de que por fin le dejaran entrar en el salón.

No era el cómico más popular de su época. Los últimos años de su vida, según cuenta su biógrafo Bill Zehme, los pasó en caída libre en el mundo del espectáculo, casi siempre sin trabajo. Pero a Kaufman también le gustaba eso: le fascinaba la relación entre el artista y el público, que nunca es más sincera que cuando el artista es odiado. Es de justicia poética que Andy Kaufman tenga ahora su propio biopic, dirigido por Milos Forman y protagonizado por Jim Carrey. 

Lo más maravilloso de Man on the Moon, una gran película, es que se mantiene fiel a la obstinada visión de Kaufman. Oh, anima un poco las cosas (la fiesta de galletas y leche en el Carnegie Hall no fue su concierto de despedida, porque en ese momento estaba demasiado desempleado para conseguir una reserva en el Carnegie). Pero sigue siendo esencialmente fiel a su personaje: un tipo que te pondría a prueba, te engañaría, te mentiría y escenificaría engaños, acrobacias y bromas elaboradas. La película no lo convierte en un tipo dulce e incomprendido. Y no se deja llevar por las risas. Cuando algo no funciona en el juego de Kaufman, tampoco funciona en la película, y no es divertido, es doloroso.

La película cuenta con una actuación impecable de Jim Carrey, que desaparece con éxito en el personaje de Andy Kaufman. Carrey es la mayor estrella de Hollywood en estos momentos, pero al principio de “Man on the Moon”, te olvidas de quién interpreta a Kaufman y te dejas llevar por lo que le ocurre. El propio Carrey es un animador compulsivo que hace cualquier cosa para hacer reír a la gente, que quiere ser querido, cuya imagen pública es excéntrica y desagradecida. Que pueda evocar la complejidad de las agonías cómicas de Kaufman es un poco sorprendente. Para que sea capaz de reprimir su propio deseo de complacer requiere una especie de coraje. No sólo trabaja sin su propia red, sino que juega contra un tipo que no ha utilizado una red.

La película, escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski, comienza con Kaufman, un niño problemático en su habitación, que se niega a salir a jugar, prefiriendo en su lugar dirigir su programa de variedades para las cámaras que creía ocultas en las paredes de su habitación. Su material se inspiró en actuaciones en clubes nocturnos y salas de estar. Comprendió que un espectáculo en vivo rara vez es más glamuroso que cuando sale mal.

La película sigue a Kaufman en el circuito de monólogos de Los Ángeles, donde un director artístico (Danny DeVito) ve algo en su acto y lo firma. Kaufman no tarda en convertirse en una estrella de las comedias de situación, un habitual de “Taxi” (vemos a veteranos del reparto como Marilu Henner, Carol Kane, Christopher Lloyd y Judd Hirsch interpretándose a sí mismos – DeVito, obviamente, está comprometido de otra manera). Insiste en las “reservas de invitados” para su “protegido”, un odioso actor de salón llamado Tony Clifton, que es interpretado tras un impenetrable maquillaje por Kaufman y a veces por su cómplice Bob Zmuda. Kaufman se niega categóricamente a admitir que “es” Clifton, y en cierto modo no lo es.

Las parábolas de la carrera de Kaufman se cruzan cuando se emite “Taxi”. Nunca ha sido más famoso, ni ha tenido una perspectiva más oscura. Comienza a luchar contra las mujeres en su acto en un club nocturno, una decisión que no es popular, y se mete en una disputa con la estrella de la escena de la lucha libre de Memphis, Jerry Lawler. Se pelean en el programa de Letterman. Parece real. La película dice que fue un montaje (Lawler se interpreta a sí mismo). De acuerdo, fue un montaje, pero el golpe de Lawler en la cabeza de Kaufman fue lo suficientemente real como para derribarlo de su silla. Y sin duda Kaufman hizo jurar a Lawler que lo golpearía tan fuerte. Siempre quiso dejarte con la duda.

Courtney Love vuelve a participar en su segunda película consecutiva de Milos Forman, interpretando a la amante de un hombre imposible (fue la amante del editor de Hustler en The People vs. Larry Flynt, de Forman). Viene a pelear con Kaufman y se queda para molestarlo. Le quiere, incluso le adora, pero nunca sabe realmente quién es. Cuando él le dice que se está muriendo de cáncer, su primera reacción es de enfado porque juega con sus sentimientos en otra actuación. Love demuestra una vez más que es una actriz de verdad y que puede, si quiere, dejar su otro trabajo.

La película nos deja con un misterio, y eso es de esperar. En las biografías tradicionales de Hollywood, habría una taquigrafía freudiana para explicarlo todo. Nada explica a Andy Kaufman. Si fuera explicable, nadie querría hacer una película sobre él.

Durante el rodaje de “Man on the Moon”, Jim Carrey se negó por completo a ser llamado por su nombre real. Desde el primer hasta el último día de rodaje, el actor quiso que le llamaran Andy y que le trataran como lo hubieran hecho con Kaufman.

Unos meses antes de que comenzara el rodaje de “Man on the Moon”, Danny DeVito, uno de los productores de la película, habló con un hombre que se hacía pasar por Gary Oldman y que, según él, estaba ansioso por protagonizar la película, hasta el punto de enviar una cinta de audición a Milos Forman. La estafa se descubrió cuando el verdadero Oldman, que ya había rechazado una oferta para protagonizar la película, vio su nombre en la lista de actores del casting para el proyecto.

Scott Alexander y Larry Karaszewski, guionistas de ‘Man on the Moon’, escribieron la secuencia de créditos iniciales de la película dejando claro que algunos hechos de la vida del protagonista habían sido cambiados para la película y que algunos acontecimientos aparecerían en un orden diferente, tratando de anticiparse a las posibles quejas del público más exigente. Sin embargo, no pudieron evitar recibir una cantidad considerable de cartas firmadas por los admiradores de Kaufman acusándoles de cometer demasiados errores en su guión.

Pelicula Man on the moon 1999

Muchas personas cercanas a Andy Kaufman se mostraron insatisfechas con la visión que se da del cómico en la película. Entre ellos destaca el propio padre de Kaufman, que señaló que la película de Milos Forman describía mal la infancia de su hijo y no daba suficiente importancia a las primeras etapas de su carrera.

Antes de que Jim Carrey protagonizara “Man on the Moon”, los cineastas habían considerado ofrecer el papel a Tom Hanks y Nicolas Cage, que rechazaron las audiciones para la película. Otros intérpretes que intentaron ser Kaufman en la gran pantalla fueron John Cusack, Kevin Spacey y Hank Azaria, pero ninguno de ellos convenció a Forman.

Poco antes de comenzar el rodaje de “Man on the Moon”, Milos Forman tuvo que decidir el actor que protagonizaría la película. Una duda que estaba entre Edward Norton y Jim Carrey, que fueron finalistas después de múltiples audiciones. El director, cansado de tomar decisiones, cedió el compromiso a los productores, que no dudaron en fichar a Carrey pensando en su idilio con la taquilla.

El personaje de Carol Kaufman, hermana de Andy, fue interpretado en ‘Man on the Moon’ por la nieta del cómico, Brittany Colonna. Es decir, la actriz se metía en la piel de su propia tía. Algo así como uno de esos enigmas familiares de toda la vida.

Años antes del estreno de ‘Man on the Moon’, Jim Carrey compró en una subasta las congas que Andy Kaufman había tocado en la vida real durante muchos de sus espectáculos, demostrando su gran admiración por el cómico. Además, Carrey utilizó esos mismos instrumentos en la cinta que envió a Milos Forman para intentar conseguir el papel en la película.

Man on the Moon actualmente está disponible en la plataforma Prime Video. Podrás verlo y descargarlo de forma totalmente gratuita si ya tienes contratado el servicio de Amazon Prime para realizar pedidos online.

¡Atención! Este artículo contiene spoilers de El Faro

El Faro es un viaje hermoso, salvaje, desconcertante y hechizante. Los acontecimientos que se desarrollan complican realizar un resumen de la trama, por no hablar del intento de dar explicaciones claras de lo que significa todo. 

Del director de La bruja, Robert Eggers, surge esta surrealista película de terror en blanco y negro de 35 mm está protagonizada por Robert Pattinson y William Dafoe en el papel de dos fareros. El personaje de Pattinson (al que llamaremos Ephraim para simplificar las cosas, aunque eso también sea un problema) es el nuevo asistente temporal de Thomas Wake.

Las dos horas de locura que siguen hacen que salgas de la película sin saber en qué dirección está el norte o el sur. No hay una única forma “correcta” de entender lo que ocurre en The Lighthouse. Pero haremos todo lo posible para ser un faro de luz que te guíe a través de la oscuridad de esta tormenta de confusión.

Si la ambigüedad y las alusiones de El Faro se prestan a todo tipo de inmersiones metafóricas, también hay lecturas más directas. O mejor dicho, tan simple como puede ser esta película.

La primera es que Efraín ha perdido la cabeza mientras esperaba la gran tormenta, por lo que la mayor parte de lo que ocurre después de la noche en que el barco no llega sucede en su cabeza. Por supuesto, también hay cosas raras antes de eso. Pero la mayoría de ellos pueden atribuirse al hecho de que Efraín estaba soñando, fantaseando o siendo paranoico.

La realidad sólo empieza a cambiar a partir de la noche en que Thomas hace beber a Efraín por primera vez. Se puede decir que el alcohol casero (o quizás queroseno) que beben también envenena sus mentes, lo que bien puede haber causado las alucinaciones que siguen.

Lo que finalmente lleva a nuestro protagonista a la locura también está en duda, así como si Thomas lo manipuló deliberadamente.

Estar atrapado en esta isla perdida con la peor compañía y el peor clima es suficiente en sí mismo. Pero también hay indicios de que, al igual que Moby Dick, Efraín se ha obsesionado tanto con el acceso al faro que le lleva al asesinato tras una ruptura total con la realidad. 

La película también da a entender que nuestro poco fiable narrador nunca estuvo en su sano juicio ni siquiera antes de llegar a la isla. Como afirma Thomas, el “accidente” con la madera que provocó la muerte del capataz en la obra anterior de Efraín fue más bien un asesinato deliberado. 

Sea como sea, la culpa de esta muerte parece pesar sobre Efraín hasta el punto de hacerle caer. Al principio de la película, sueña que se ahoga bajo los troncos y más tarde, en sus momentos más impactantes, ve destellos del hombre asesinado. Además, la forma en que acaba matando a Thomas con un hacha nos recuerda la anterior ocupación de Efraín como leñador.

Pero Thomas tiene razón en una cosa: Efraín aceptó este horrible y aislado trabajo en la isla porque está huyendo. Pero, como pronto descubre, no puede escapar de la prisión de su conciencia culpable. 

Pattinson prefiere esta lectura de la historia, y Eggers declaró a Den of Geek que “Robert Pattinson me dijo antes de aceptar: ‘No quiero hacer una película sobre un faro mágico’. Quiero hacer una película sobre un maldito loco“.

Es igualmente probable que Tomás y Efraín compartan el mismo engaño. O (y hablaremos de esto más adelante), puedes ver a Tomás y Efraín como dos partes de la misma persona. 

El Thomas de Dafoe también está esbozado desde el principio. Empezamos a preguntarnos si está volviendo loco deliberadamente a Efraín después de saber cómo murió su último mechón. Thomas podría haberle matado o llevado al suicidio.

Efraín encuentra la cabeza decapitada del anterior miembro en una red de pesca, por lo que Thomas se enfrenta a un testigo de su crimen. Después de esta escena, sigue tratando de incriminar a Efraín por no confiar en la realidad, enlutando constantemente, llenando su mente de ilusiones paranoicas e incluso haciéndole cuestionar el propio tiempo. 

En la escena en la que Thomas corre hacia Efraín con el hacha, cuenta otra versión de los hechos en la que él es, de hecho, el loco asesino del hacha, antes de destruir el bote salvavidas que era su única oportunidad de salir para contar la verdadera historia a las autoridades.

¿Por qué Thomas sigue matando a sus asistentes? Pues bien, Efraín descubre más tarde notas de su superior llenas de mentiras sobre su mala conducta, y la sugerencia de que la empresa lo despida sin sueldo. Tal vez Thomas sólo buscaba más dinero. 

O tal vez sólo sea un juego enfermizo al que juega todo el tiempo (hasta ahora).

Si algo puede decirse que es “obvio” en esta película, es la innegable y creciente tensión homoerótica entre Thomas y Ephraim. De hecho, el homoerotismo está incluso incrustado en el propio símbolo del faro.

“Era bastante explícito en el guión. El guión decía que el faro parecía un pene erecto”, dijo Pattinson en una entrevista con HuffPost.

Eggers añadió que el subtexto homosexual siempre estuvo en el corazón de la relación central de la película, pero que “todo se trata de una dinámica de poder, así que Willem empuja, empuja, empuja. Y hay ira reprimida, energía erótica reprimida y olores reprimidos. ¿Dónde está el punto de ruptura?”

Pero la sexualidad de ambos, según Eggers, no es binaria (gay versus no gay). No se trata tanto de explorar la sexualidad humana o la orientación sexual como de abordar las cuestiones que estos matices sexuales homoeróticos representan en una perspectiva freudiana más amplia.

También hay muchas cosas heteronormativas, como el hecho de que Tomás humille a Efraín obligándole a hacer tareas domésticas más “femeninas”, lo que le lleva a decir que se apuntó a ser la mujer de nadie. 

Mientras tanto, Thomas se vuelve exclusivo, en cierto sentido, con el símbolo fálico del faro. Constantemente se refiere al faro como si fuera ella, equiparándola con una esposa mejor que cualquier mujer viva. Según Dafoe, el homoerotismo de la película habla de ciertos aspectos de la identidad y de lo que significa ser un hombre: 

“¡Masculinidad tóxica! Se empujan unos a otros por miedo y por la amenaza de lo que son. Y ambos son culpables. Tienen un sentimiento de culpa, de maldad. No hay juicio moral en esta historia. Se trata de ver a estos dos chicos luchar para encontrar una manera de sobrevivir, realmente…. Es una historia sencilla, pero tiene raíces existenciales y cosas sobre la identidad y cosas sobre la masculinidad, la dominación y la sumisión. Y para bien o para mal. Luego ves que se da la vuelta y es muy bonito”.

Como resume Eggers al final de la entrevista, todo lo que escribe está “inspirado en Jung”, lo que significa que trabaja con símbolos y arquetipos que el psicoanalista Carl Jung ha descrito como parte del inconsciente colectivo.

“Lo martilleamos con bocallaves vaginales y herramientas fálicas de leñador y troncos”, dijo.

Desde la perspectiva junguiana, Thomas y Ephraim también podrían representar diferentes aspectos de la psicología de la misma persona. Tomás es como el Id bestial que cede a todos sus deseos más bajos y Efraín es como el ego, consciente de las normas sociales y que lucha por mantener la civilización. Todo esto se ve apoyado por el hecho de que nos enteramos de que el verdadero nombre de Efraín también es Thomas (o Tommy).

Ahora que hemos superado las lecturas más mundanas de la película, vamos a sumergirnos de lleno en lo que podrían significar las numerosas alusiones míticas y literarias que se encuentran dispersas a lo largo de El Faro.

En la frente de Moby Dick, al igual que la ballena, el faro puede verse como un símbolo de la arrogancia del intento del hombre por vencer o conquistar las fuerzas más poderosas de la naturaleza. Los faros fueron diseñados para ayudar a los barcos a navegar por los peligros del mar. Los faros, una estrella del norte hecha por el hombre que guía a los marineros en la oscuridad y las tormentas, nos dan una falsa sensación de seguridad a la que podemos aferrarnos cuando nos enfrentamos a lo desconocido.

En la última escena, cuando Efraín puede por fin mirar el faro, la oscuridad literal de la película en blanco y negro es erradicada por su luz cegadora. Ilumina un rostro lleno de alivio, alegría y júbilo, como si Efraín hubiera encontrado por fin la respuesta a todas las incertidumbres existenciales a las que se enfrentaba en la roca.

Hablando de la secuencia final, La arrogancia y la luz del hombre, Eggers dijo a Vox que había escrito a Efraín para representar la figura mitológica griega de Prometeo y a Tomás como Proteo. 

Conocido como el campeón de la humanidad, Prometeo creó al hombre de la arcilla y también desafió a Zeus robando el fuego a los dioses para dárselo a la humanidad. Como en el último plano de la película, el castigo de Prometeo por este robo es ser encadenado a una roca mientras es comido vivo por un águila, una tortura que dura toda la eternidad ya que es inmortal y nunca puede morir realmente.

La gente suele analizar el “fuego” de esta leyenda como una metáfora del conocimiento, la luz literal que significa “iluminación” o “esclarecimiento” de la humanidad. De nuevo, esto se refiere al faro como símbolo de cómo el hombre utiliza el conocimiento para inventar formas de mantener a raya la oscuridad, la muerte y lo desconocido. 

A lo largo de la película, Efraín se enfrenta constantemente a las fuerzas mortales de la naturaleza y se siente fascinado por ellas, ya sean tormentas o sirenas. Estos momentos se contraponen a todas las máquinas creadas por el hombre que él se encarga de mantener, ya sea la máquina de vapor que hace funcionar el faro o sus numerosos intentos de evitar que los elementos, como el agua o la tierra, destruyan la casa.

Thomas como Proteo también es muy lógico, ya que Proteo es un antiguo dios del océano que cuenta profecías y sirve a Poseidón, y al que Homero llamaba el “Viejo del Mar”. Thomas no sólo es el arquetipo perfecto de un anciano del mar, sino que también hace esta predicción increíblemente precisa sobre cómo morirá Efraín al final de la película. 

Puede que incluso haya maldecido a Efraín en su momento, todo porque al joven no le gustaba su cocina. Probablemente sea la misma maldición que le echó al que murió antes que Efraín. Proteo también representa los cambios imprevisibles de las mareas y las tormentas marinas, lo que da credibilidad a la teoría de que Tomás provocó la tormenta que los mantuvo a ambos varados en esta isla.

Ni siquiera hemos mencionado la influencia de H. P. Lovecraft, que está por todas partes en esta película, como ha admitido el director en varias entrevistas. Las criaturas y sirenas que se ven a lo largo de la película indican que la isla podría ser el hogar de los Abyss, antiguos dioses marinos lovecraftianos que se aparean con los humanos para crear especies híbridas completas.

En definitiva, las alusiones mitológicas y literarias se suman al tema de la eterna lucha del hombre contra fuerzas de la naturaleza mucho más poderosas que él. Ante todas estas amenazas existenciales, buscamos recuperar el poder sobre la imprevisibilidad de la naturaleza por cualquier medio.

Incluso si significa matar a su único compañero con un hacha por el privilegio de mirar una luz.

Las fotos muestran al Joker de Leto con el pelo largo y con una bata de hospital. El personaje es diferente a la versión tatuada y de pelo corto del Joker que Leto describió en la película Escuadrón Suicida 2016.

“El príncipe heredero del crimen, @JaredLeto. #SnyderCut”, escribió Snyder en el mensaje.

Snyder dirigió la versión original de la Liga de la Justicia, pero renunció a la película tras la muerte de su hija. Joss Whedon fue contratado para terminar la película, lo que cambió la visión original de Snyder.

joker de Zac Snyder

En una entrevista con Vanity Fair, Snyder dijo que decidió añadir al Joker después de que le ofrecieran la oportunidad de hacer el corte del director.

“El Joker es realmente lo único que pensé en retrospectiva”, dijo Snyder. “Pero diré que siempre tuve la intención de traer al Joker a este mundo”.

Snyder dijo que el Joker aparecería en una secuencia onírica vivida por Bruce Wayne, alias Batman (Ben Affleck).

“Lo mejor de la escena es que es el Joker el que habla directamente con Batman de Batman”, dijo Snyder. “Es el Guasón analizando a Batman para descubrir quién y qué es”.

El Joker del Snyder Cut

Eso es lo que yo también pensaba que los fans se merecían del Universo DC. A saber, Jared Leto Joker y Ben Affleck Batman, nunca se unieron realmente”, añadió. Juntos.

La Liga de la Justicia de Zack Snyder se estrenará el 18 de marzo en HBO Max. Snyder ya ha compartido una foto teaser del Joker de Leto ocultando el rostro del actor.