La película de Amazon Prime estrenada en 2021 en España, presenta a Johnny Depp enfrentándose a una dura pregunta: ¿qué harías si tu vida estuviera llegando a su fin? Un profesor moribundo, Richard, decide rechazar en gran medida el cambio de vida que supone el diagnóstico de un cáncer de pulmón en fase cuatro y contárselo sólo a un amigo. Todos los demás piensan que está teniendo una crisis: dejando de lado su horario de clases, fumando marihuana con sus estudiantes en el campus, teniendo sexo con una camarera al azar… Sin embargo, la oportunidad de que alguien que realmente le importa un bledo brille por su sabiduría vital se pierde en el guión del guionista y director Wayne Roberts, que está más supeditado a los clichés para sentirse bien de lo que indica su apariencia demasiado cool para la escuela. 

La historia llega a su punto álgido al principio, durante los créditos iniciales, mostrando a Richard intentando reconducir su vida mientras deambula por su exclusivo campus universitario de Nueva Inglaterra. Se le ve murmurar y luego gritar, el mismo sentimiento, “F**k”. Con Depp y su irascible presencia, lo dice todo. Richard se sumerge entonces en un estanque sucio y no mira atrás, una especie de apatía que inicia el resto de su viaje interior. A medida que avanza la historia, Richard tiene más palabras para compartir su experiencia, especialmente cuando se acerca a la naturaleza finita de la mortalidad, pero dejan mucho que desear.

El concepto es prometedor: Roberts, en colaboración con el director de fotografía Tim Orr, crea estos pintorescos espacios para los papeles de la vida de Richard -su comedor de clase media-alta, su anticuada universidad, un acogedor bar local- preparando estos espacios con encuadres centrales a lo Wes Anderson para que Depp pueda entrar e interrumpirlos. Pero es lo que sucede en los escenarios lo que hace que la película sea decepcionante: emociones vacías y arcos de personajes que no van a ninguna parte, incluyendo a Rosemarie DeWitt como la esposa a la que se acerca después de que ambos reconozcan que prefieren acostarse con otras personas pero estar juntos por su hija, Taylor (Kaitlyn Bernard). Peor aún, Roberts no puede hacer que Richard sea gracioso: los golpes cómicos improvisados que implican que Richard diga o haga algo aparentemente abrasivo siempre caen en saco roto.

Por ejemplo, la clase de “La sociedad de los poetas muertos” de Richard: cumpliendo el sueño de muchos instructores como él, despista a muchos niños. Los que no leen libros en su tiempo libre, los que quieren entrar en el mundo de los negocios, los que van en chándal. Pero este desarrollo le convierte poco a poco en una parodia de profesor alternativo, por la forma en que no oculta su desprecio por un par de alumnos que se quedan, o utiliza su agresiva incomodidad como una especie de sermón mientras sus alumnos se sientan a su alrededor. Incluso los personajes periféricos están aplastados aquí, como Zoey Deutch como una de sus estudiantes. Se convierte en una improbable amiga en la que apoyarse brevemente en la historia, pero queda relegada a otro estudiante que escucha su cursi consejo: “En cualquier momento estamos componiendo las historias de nuestras vidas”. Para cuando Richard llega a su grandiosa declaración final, “Tomad vuestra puta existencia, gente”, nos ha perdido.

Depp es lo suficientemente carismático en la película, o al menos parece cómodo interpretando a este profesor, siempre arrastrando las palabras y revelando poco a poco la tristeza que hay detrás de su ambivalencia. Pero a medida que la historia se vuelve más obvia de lo que parece, la leve diversión de ver a Richard rechazar sus papeles en la vida se desvanece y su actitud de pacotilla hacia las mujeres (destrozar a una estudiante feminista, besar a la fuerza a la mujer del secretario de la universidad) se vuelve patética y aburrida. Y cuando la cara de Richard se vuelve más hueca y gris, con Depp pareciendo que está en el tren expreso hacia la muerte o hacia una nominación a los Globos de Oro, ningún personaje parece darse cuenta, como una broma pesada de la propia película.

No hay nada de malo en un poco de profundidad sobre el fin de la vida, es sólo que con “El Profesor” no hay nada más. La película de Roberts no vincula bien la apatía inicialmente rebelde de Richard y sus posteriores declaraciones sinceras, pero sí deja claras ambas actitudes vitales, lo que da lugar a un primer y segundo acto aceptables y a un tercero largo y tedioso. Es demasiado fácil imaginar que Richard no se emocionaría con el desenlace de su vida si no que, probablemente, pondría los ojos en blanco.

Nuestro niño interior ama a Andy Kaufman. Nosotros éramos así. ¿Quién no recuerda haber molestado a nuestros amigos durante horas y horas con la misma estúpida idea cómica una y otra vez? ¿Quién no quería admitir que estaba equivocado? “No voy a dejarlo”, dicen, “hasta que tú lo dejes primero”. Hasta que te rías, o estés de acuerdo, o grites “tío, para ya”. Puedo seguir toda la noche si es necesario”. Así es como Andy Kaufman se acercó al mundo. La diferencia es que él intentó ganarse la vida como comediante. 

El público tiene una forma de pedir que se le entretenga. El espectáculo de Kaufman era esencialmente una meditación sobre la idea del entretenimiento. Quería entretenerte, pero primero tenías que ceder. Había que reírse de algo realmente estúpido, o dejarlo pasar con algo aburrido o escandaloso. Si pasabas la prueba, era como un niño, feliz de que por fin le dejaran entrar en el salón.

No era el cómico más popular de su época. Los últimos años de su vida, según cuenta su biógrafo Bill Zehme, los pasó en caída libre en el mundo del espectáculo, casi siempre sin trabajo. Pero a Kaufman también le gustaba eso: le fascinaba la relación entre el artista y el público, que nunca es más sincera que cuando el artista es odiado. Es de justicia poética que Andy Kaufman tenga ahora su propio biopic, dirigido por Milos Forman y protagonizado por Jim Carrey. 

Lo más maravilloso de Man on the Moon, una gran película, es que se mantiene fiel a la obstinada visión de Kaufman. Oh, anima un poco las cosas (la fiesta de galletas y leche en el Carnegie Hall no fue su concierto de despedida, porque en ese momento estaba demasiado desempleado para conseguir una reserva en el Carnegie). Pero sigue siendo esencialmente fiel a su personaje: un tipo que te pondría a prueba, te engañaría, te mentiría y escenificaría engaños, acrobacias y bromas elaboradas. La película no lo convierte en un tipo dulce e incomprendido. Y no se deja llevar por las risas. Cuando algo no funciona en el juego de Kaufman, tampoco funciona en la película, y no es divertido, es doloroso.

La película cuenta con una actuación impecable de Jim Carrey, que desaparece con éxito en el personaje de Andy Kaufman. Carrey es la mayor estrella de Hollywood en estos momentos, pero al principio de “Man on the Moon”, te olvidas de quién interpreta a Kaufman y te dejas llevar por lo que le ocurre. El propio Carrey es un animador compulsivo que hace cualquier cosa para hacer reír a la gente, que quiere ser querido, cuya imagen pública es excéntrica y desagradecida. Que pueda evocar la complejidad de las agonías cómicas de Kaufman es un poco sorprendente. Para que sea capaz de reprimir su propio deseo de complacer requiere una especie de coraje. No sólo trabaja sin su propia red, sino que juega contra un tipo que no ha utilizado una red.

La película, escrita por Scott Alexander y Larry Karaszewski, comienza con Kaufman, un niño problemático en su habitación, que se niega a salir a jugar, prefiriendo en su lugar dirigir su programa de variedades para las cámaras que creía ocultas en las paredes de su habitación. Su material se inspiró en actuaciones en clubes nocturnos y salas de estar. Comprendió que un espectáculo en vivo rara vez es más glamuroso que cuando sale mal.

La película sigue a Kaufman en el circuito de monólogos de Los Ángeles, donde un director artístico (Danny DeVito) ve algo en su acto y lo firma. Kaufman no tarda en convertirse en una estrella de las comedias de situación, un habitual de “Taxi” (vemos a veteranos del reparto como Marilu Henner, Carol Kane, Christopher Lloyd y Judd Hirsch interpretándose a sí mismos – DeVito, obviamente, está comprometido de otra manera). Insiste en las “reservas de invitados” para su “protegido”, un odioso actor de salón llamado Tony Clifton, que es interpretado tras un impenetrable maquillaje por Kaufman y a veces por su cómplice Bob Zmuda. Kaufman se niega categóricamente a admitir que “es” Clifton, y en cierto modo no lo es.

Las parábolas de la carrera de Kaufman se cruzan cuando se emite “Taxi”. Nunca ha sido más famoso, ni ha tenido una perspectiva más oscura. Comienza a luchar contra las mujeres en su acto en un club nocturno, una decisión que no es popular, y se mete en una disputa con la estrella de la escena de la lucha libre de Memphis, Jerry Lawler. Se pelean en el programa de Letterman. Parece real. La película dice que fue un montaje (Lawler se interpreta a sí mismo). De acuerdo, fue un montaje, pero el golpe de Lawler en la cabeza de Kaufman fue lo suficientemente real como para derribarlo de su silla. Y sin duda Kaufman hizo jurar a Lawler que lo golpearía tan fuerte. Siempre quiso dejarte con la duda.

Courtney Love vuelve a participar en su segunda película consecutiva de Milos Forman, interpretando a la amante de un hombre imposible (fue la amante del editor de Hustler en The People vs. Larry Flynt, de Forman). Viene a pelear con Kaufman y se queda para molestarlo. Le quiere, incluso le adora, pero nunca sabe realmente quién es. Cuando él le dice que se está muriendo de cáncer, su primera reacción es de enfado porque juega con sus sentimientos en otra actuación. Love demuestra una vez más que es una actriz de verdad y que puede, si quiere, dejar su otro trabajo.

La película nos deja con un misterio, y eso es de esperar. En las biografías tradicionales de Hollywood, habría una taquigrafía freudiana para explicarlo todo. Nada explica a Andy Kaufman. Si fuera explicable, nadie querría hacer una película sobre él.

Durante el rodaje de “Man on the Moon”, Jim Carrey se negó por completo a ser llamado por su nombre real. Desde el primer hasta el último día de rodaje, el actor quiso que le llamaran Andy y que le trataran como lo hubieran hecho con Kaufman.

Unos meses antes de que comenzara el rodaje de “Man on the Moon”, Danny DeVito, uno de los productores de la película, habló con un hombre que se hacía pasar por Gary Oldman y que, según él, estaba ansioso por protagonizar la película, hasta el punto de enviar una cinta de audición a Milos Forman. La estafa se descubrió cuando el verdadero Oldman, que ya había rechazado una oferta para protagonizar la película, vio su nombre en la lista de actores del casting para el proyecto.

Scott Alexander y Larry Karaszewski, guionistas de ‘Man on the Moon’, escribieron la secuencia de créditos iniciales de la película dejando claro que algunos hechos de la vida del protagonista habían sido cambiados para la película y que algunos acontecimientos aparecerían en un orden diferente, tratando de anticiparse a las posibles quejas del público más exigente. Sin embargo, no pudieron evitar recibir una cantidad considerable de cartas firmadas por los admiradores de Kaufman acusándoles de cometer demasiados errores en su guión.

Pelicula Man on the moon 1999

Muchas personas cercanas a Andy Kaufman se mostraron insatisfechas con la visión que se da del cómico en la película. Entre ellos destaca el propio padre de Kaufman, que señaló que la película de Milos Forman describía mal la infancia de su hijo y no daba suficiente importancia a las primeras etapas de su carrera.

Antes de que Jim Carrey protagonizara “Man on the Moon”, los cineastas habían considerado ofrecer el papel a Tom Hanks y Nicolas Cage, que rechazaron las audiciones para la película. Otros intérpretes que intentaron ser Kaufman en la gran pantalla fueron John Cusack, Kevin Spacey y Hank Azaria, pero ninguno de ellos convenció a Forman.

Poco antes de comenzar el rodaje de “Man on the Moon”, Milos Forman tuvo que decidir el actor que protagonizaría la película. Una duda que estaba entre Edward Norton y Jim Carrey, que fueron finalistas después de múltiples audiciones. El director, cansado de tomar decisiones, cedió el compromiso a los productores, que no dudaron en fichar a Carrey pensando en su idilio con la taquilla.

El personaje de Carol Kaufman, hermana de Andy, fue interpretado en ‘Man on the Moon’ por la nieta del cómico, Brittany Colonna. Es decir, la actriz se metía en la piel de su propia tía. Algo así como uno de esos enigmas familiares de toda la vida.

Años antes del estreno de ‘Man on the Moon’, Jim Carrey compró en una subasta las congas que Andy Kaufman había tocado en la vida real durante muchos de sus espectáculos, demostrando su gran admiración por el cómico. Además, Carrey utilizó esos mismos instrumentos en la cinta que envió a Milos Forman para intentar conseguir el papel en la película.

Man on the Moon actualmente está disponible en la plataforma Prime Video. Podrás verlo y descargarlo de forma totalmente gratuita si ya tienes contratado el servicio de Amazon Prime para realizar pedidos online.

Para ser honestos, no podrían haber elegido mejor título para esta serie de “Gotham”, ya que desde el primero hasta el último capítulo todo estará centrado en esta ciudad, visto desde el punto de vista de James Gordon, y antes de la aparición de Batman; A lo largo de la serie, podrás ver la evolución tanto de Gotham City, cada vez más poblada por los famosos enemigos de Batman, como de James Gordon, cuya carrera seguiremos a lo largo de la serie.

Aclarar que ante todo esta es una opinión personal y no es única, cada uno puede tener una visión diferente de la serie. La serie en sí, en su conjunto, me pareció más que aceptable, sorprendiéndome también por la calidad que muestra. Relatar la evolución que sufre la propia serie, con una primera temporada muy lenta, que cobra vida en la segunda y sobre todo en la tercera, para culminar con una fantástica cuarta temporada, y una quinta temporada que, como broche final, es bastante aceptable, también, aunque quizás empeore ligeramente la calidad de lo anterior en términos de eventos que tienen lugar allí.

Uno de los mayores éxitos de la serie es la inclusión constante de algunos de los villanos más icónicos de Gotham, con algunas caracterizaciones bastante decentes y, en la mayoría de los casos, con buenas historias detrás, que se abrirán y cerrarán y reabrirán para las 5 a.m. que componen la serie.

Por último, y antes de entrar en más detalles y con spoilers incluidos, destacar la oscuridad que envuelve la serie, con un enfoque particular en la Temporada 2 y Temporada 3. A lo largo de la serie se producirán decenas y decenas de asesinatos., La mayoría acusados de fuerte violencia, que sirve, con mucho éxito, para mostrar al espectador que Gotham no es una ciudad cualquiera; El crimen es una parte muy importante, nadie está a salvo allí, no importa cuánto lo intenten James Gordon y la policía de Gotham, y obviamente, si esta fuera una ciudad que realmente existe, no creo que nadie quisiera ir allí de vacaciones.

Lo más notable de toda la serie, en mi opinión, es la actuación tanto del Pingüino como de Enigma, ambos son una pareja que viene con nosotros muy temprano en la serie y nos proporcionará muchos momentos verdaderamente notables a lo largo de la serie. Te puedo asegurar que viendo el último capítulo sabía que extrañaría a estos dos villanos, ya que su presencia a lo largo de la serie te hace sentir un cariño inmenso al final, a pesar de que no son precisamente las mejores personas que hay… (Gracias a Robin Lord Taylor y Cory Michael Smith por el esfuerzo y trabajo dedicados a dar la mejor interpretación y ser lo más fiel posible a los cómics de Batman)

La otra actuación notable con estos dos nombrados anteriormente, y para mí, la mayor sorpresa que me he llevado de esta serie es la de Cameron Monaghan que interpreta a Jerome y Jeremiah Valeska, personajes que intentan asumir un parecido con el Joker. La interpretación de Cameron del Joker es espectacular, como lo es la evolución que podemos ver a lo largo de la serie, y cómo cada vez se parece más y más a él (los gestos, las expresiones, la ropa, la pintura facial y la temporada pasada también la cara ya deformado después de caer en el tanque de ácido de Ace Chemicals); para mí, sin duda alguna, esto debería considerarse una de las mejores versiones del Joker de la historia, salvando las comparaciones.

En cuanto a James Gordon, bellamente interpretado por Ben McKenzie, y que ha ido evolucionando de la primera temporada a la primera, pasando de ser un inspector de policía con las ganas y el entusiasmo de detener el crimen en Gotham, a la de comisario municipal, cansado de la ciudad. Crimen y corrupción después de años y años de desgaste como jefe de policía de Gotham y buscando un reemplazo que eventualmente encontrará en Batman.

El personaje de Gordon se usa bien a lo largo de la serie, lo que lo influye cuando es necesario, pero no se deja llevar por darle más tiempo frente a la pantalla del que debería. La historia que tiene con Barbara y Lee también se maneja muy bien, ya que continuará desde la primera hasta la última temporada, pasando por varias etapas a lo largo de la serie. Y también afecta bastante su relación con Bruce Wayne, lo que conducirá a varias situaciones que serán un aliciente para Bruce y acabará convirtiéndose en el Caballero Oscuro.

Después de eso, y para terminar con las críticas, creo que, si bien se puede mejorar, no fue un mal final para una serie que tal vez está comenzando a alargarse demasiado.

En cuanto a la temporada final, la trama de “No Man’s Land” que trata de esta Gotham aislada, abandonada y desamparada, donde reina el crimen y todo está bien, creo que es uno de los grandes éxitos de la temporada, porque dan un soplo de aire fresco a la serie, cambiando el escenario y la situación en la que se encuentran nuestros protagonistas. Pero todo sucede demasiado rápido; Bane, Jeremiah Valeska se parece más al Joker que nunca, Nyssa al Ghul… Todo sucede demasiado rápido, dejando escenas memorables, como cuando Jeremiah cae en la tina de ácido de Ace Chemicals. Pero en cuanto llega el último capítulo (el 11, porque el 12 está totalmente dedicado al futuro), aparece Batman, aparece el héroe del futuro y termina la serie, dejando un buen sabor de boca, pero con ganas de más, más desarrollo de esto que sucedió antes y más ganas de ver ese futuro. Pero lamentablemente eso no sucederá.

¡Atención! Este artículo contiene spoilers de El Faro

El Faro es un viaje hermoso, salvaje, desconcertante y hechizante. Los acontecimientos que se desarrollan complican realizar un resumen de la trama, por no hablar del intento de dar explicaciones claras de lo que significa todo. 

Del director de La bruja, Robert Eggers, surge esta surrealista película de terror en blanco y negro de 35 mm está protagonizada por Robert Pattinson y William Dafoe en el papel de dos fareros. El personaje de Pattinson (al que llamaremos Ephraim para simplificar las cosas, aunque eso también sea un problema) es el nuevo asistente temporal de Thomas Wake.

Las dos horas de locura que siguen hacen que salgas de la película sin saber en qué dirección está el norte o el sur. No hay una única forma “correcta” de entender lo que ocurre en The Lighthouse. Pero haremos todo lo posible para ser un faro de luz que te guíe a través de la oscuridad de esta tormenta de confusión.

Si la ambigüedad y las alusiones de El Faro se prestan a todo tipo de inmersiones metafóricas, también hay lecturas más directas. O mejor dicho, tan simple como puede ser esta película.

La primera es que Efraín ha perdido la cabeza mientras esperaba la gran tormenta, por lo que la mayor parte de lo que ocurre después de la noche en que el barco no llega sucede en su cabeza. Por supuesto, también hay cosas raras antes de eso. Pero la mayoría de ellos pueden atribuirse al hecho de que Efraín estaba soñando, fantaseando o siendo paranoico.

La realidad sólo empieza a cambiar a partir de la noche en que Thomas hace beber a Efraín por primera vez. Se puede decir que el alcohol casero (o quizás queroseno) que beben también envenena sus mentes, lo que bien puede haber causado las alucinaciones que siguen.

Lo que finalmente lleva a nuestro protagonista a la locura también está en duda, así como si Thomas lo manipuló deliberadamente.

Estar atrapado en esta isla perdida con la peor compañía y el peor clima es suficiente en sí mismo. Pero también hay indicios de que, al igual que Moby Dick, Efraín se ha obsesionado tanto con el acceso al faro que le lleva al asesinato tras una ruptura total con la realidad. 

La película también da a entender que nuestro poco fiable narrador nunca estuvo en su sano juicio ni siquiera antes de llegar a la isla. Como afirma Thomas, el “accidente” con la madera que provocó la muerte del capataz en la obra anterior de Efraín fue más bien un asesinato deliberado. 

Sea como sea, la culpa de esta muerte parece pesar sobre Efraín hasta el punto de hacerle caer. Al principio de la película, sueña que se ahoga bajo los troncos y más tarde, en sus momentos más impactantes, ve destellos del hombre asesinado. Además, la forma en que acaba matando a Thomas con un hacha nos recuerda la anterior ocupación de Efraín como leñador.

Pero Thomas tiene razón en una cosa: Efraín aceptó este horrible y aislado trabajo en la isla porque está huyendo. Pero, como pronto descubre, no puede escapar de la prisión de su conciencia culpable. 

Pattinson prefiere esta lectura de la historia, y Eggers declaró a Den of Geek que “Robert Pattinson me dijo antes de aceptar: ‘No quiero hacer una película sobre un faro mágico’. Quiero hacer una película sobre un maldito loco“.

Es igualmente probable que Tomás y Efraín compartan el mismo engaño. O (y hablaremos de esto más adelante), puedes ver a Tomás y Efraín como dos partes de la misma persona. 

El Thomas de Dafoe también está esbozado desde el principio. Empezamos a preguntarnos si está volviendo loco deliberadamente a Efraín después de saber cómo murió su último mechón. Thomas podría haberle matado o llevado al suicidio.

Efraín encuentra la cabeza decapitada del anterior miembro en una red de pesca, por lo que Thomas se enfrenta a un testigo de su crimen. Después de esta escena, sigue tratando de incriminar a Efraín por no confiar en la realidad, enlutando constantemente, llenando su mente de ilusiones paranoicas e incluso haciéndole cuestionar el propio tiempo. 

En la escena en la que Thomas corre hacia Efraín con el hacha, cuenta otra versión de los hechos en la que él es, de hecho, el loco asesino del hacha, antes de destruir el bote salvavidas que era su única oportunidad de salir para contar la verdadera historia a las autoridades.

¿Por qué Thomas sigue matando a sus asistentes? Pues bien, Efraín descubre más tarde notas de su superior llenas de mentiras sobre su mala conducta, y la sugerencia de que la empresa lo despida sin sueldo. Tal vez Thomas sólo buscaba más dinero. 

O tal vez sólo sea un juego enfermizo al que juega todo el tiempo (hasta ahora).

Si algo puede decirse que es “obvio” en esta película, es la innegable y creciente tensión homoerótica entre Thomas y Ephraim. De hecho, el homoerotismo está incluso incrustado en el propio símbolo del faro.

“Era bastante explícito en el guión. El guión decía que el faro parecía un pene erecto”, dijo Pattinson en una entrevista con HuffPost.

Eggers añadió que el subtexto homosexual siempre estuvo en el corazón de la relación central de la película, pero que “todo se trata de una dinámica de poder, así que Willem empuja, empuja, empuja. Y hay ira reprimida, energía erótica reprimida y olores reprimidos. ¿Dónde está el punto de ruptura?”

Pero la sexualidad de ambos, según Eggers, no es binaria (gay versus no gay). No se trata tanto de explorar la sexualidad humana o la orientación sexual como de abordar las cuestiones que estos matices sexuales homoeróticos representan en una perspectiva freudiana más amplia.

También hay muchas cosas heteronormativas, como el hecho de que Tomás humille a Efraín obligándole a hacer tareas domésticas más “femeninas”, lo que le lleva a decir que se apuntó a ser la mujer de nadie. 

Mientras tanto, Thomas se vuelve exclusivo, en cierto sentido, con el símbolo fálico del faro. Constantemente se refiere al faro como si fuera ella, equiparándola con una esposa mejor que cualquier mujer viva. Según Dafoe, el homoerotismo de la película habla de ciertos aspectos de la identidad y de lo que significa ser un hombre: 

“¡Masculinidad tóxica! Se empujan unos a otros por miedo y por la amenaza de lo que son. Y ambos son culpables. Tienen un sentimiento de culpa, de maldad. No hay juicio moral en esta historia. Se trata de ver a estos dos chicos luchar para encontrar una manera de sobrevivir, realmente…. Es una historia sencilla, pero tiene raíces existenciales y cosas sobre la identidad y cosas sobre la masculinidad, la dominación y la sumisión. Y para bien o para mal. Luego ves que se da la vuelta y es muy bonito”.

Como resume Eggers al final de la entrevista, todo lo que escribe está “inspirado en Jung”, lo que significa que trabaja con símbolos y arquetipos que el psicoanalista Carl Jung ha descrito como parte del inconsciente colectivo.

“Lo martilleamos con bocallaves vaginales y herramientas fálicas de leñador y troncos”, dijo.

Desde la perspectiva junguiana, Thomas y Ephraim también podrían representar diferentes aspectos de la psicología de la misma persona. Tomás es como el Id bestial que cede a todos sus deseos más bajos y Efraín es como el ego, consciente de las normas sociales y que lucha por mantener la civilización. Todo esto se ve apoyado por el hecho de que nos enteramos de que el verdadero nombre de Efraín también es Thomas (o Tommy).

Ahora que hemos superado las lecturas más mundanas de la película, vamos a sumergirnos de lleno en lo que podrían significar las numerosas alusiones míticas y literarias que se encuentran dispersas a lo largo de El Faro.

En la frente de Moby Dick, al igual que la ballena, el faro puede verse como un símbolo de la arrogancia del intento del hombre por vencer o conquistar las fuerzas más poderosas de la naturaleza. Los faros fueron diseñados para ayudar a los barcos a navegar por los peligros del mar. Los faros, una estrella del norte hecha por el hombre que guía a los marineros en la oscuridad y las tormentas, nos dan una falsa sensación de seguridad a la que podemos aferrarnos cuando nos enfrentamos a lo desconocido.

En la última escena, cuando Efraín puede por fin mirar el faro, la oscuridad literal de la película en blanco y negro es erradicada por su luz cegadora. Ilumina un rostro lleno de alivio, alegría y júbilo, como si Efraín hubiera encontrado por fin la respuesta a todas las incertidumbres existenciales a las que se enfrentaba en la roca.

Hablando de la secuencia final, La arrogancia y la luz del hombre, Eggers dijo a Vox que había escrito a Efraín para representar la figura mitológica griega de Prometeo y a Tomás como Proteo. 

Conocido como el campeón de la humanidad, Prometeo creó al hombre de la arcilla y también desafió a Zeus robando el fuego a los dioses para dárselo a la humanidad. Como en el último plano de la película, el castigo de Prometeo por este robo es ser encadenado a una roca mientras es comido vivo por un águila, una tortura que dura toda la eternidad ya que es inmortal y nunca puede morir realmente.

La gente suele analizar el “fuego” de esta leyenda como una metáfora del conocimiento, la luz literal que significa “iluminación” o “esclarecimiento” de la humanidad. De nuevo, esto se refiere al faro como símbolo de cómo el hombre utiliza el conocimiento para inventar formas de mantener a raya la oscuridad, la muerte y lo desconocido. 

A lo largo de la película, Efraín se enfrenta constantemente a las fuerzas mortales de la naturaleza y se siente fascinado por ellas, ya sean tormentas o sirenas. Estos momentos se contraponen a todas las máquinas creadas por el hombre que él se encarga de mantener, ya sea la máquina de vapor que hace funcionar el faro o sus numerosos intentos de evitar que los elementos, como el agua o la tierra, destruyan la casa.

Thomas como Proteo también es muy lógico, ya que Proteo es un antiguo dios del océano que cuenta profecías y sirve a Poseidón, y al que Homero llamaba el “Viejo del Mar”. Thomas no sólo es el arquetipo perfecto de un anciano del mar, sino que también hace esta predicción increíblemente precisa sobre cómo morirá Efraín al final de la película. 

Puede que incluso haya maldecido a Efraín en su momento, todo porque al joven no le gustaba su cocina. Probablemente sea la misma maldición que le echó al que murió antes que Efraín. Proteo también representa los cambios imprevisibles de las mareas y las tormentas marinas, lo que da credibilidad a la teoría de que Tomás provocó la tormenta que los mantuvo a ambos varados en esta isla.

Ni siquiera hemos mencionado la influencia de H. P. Lovecraft, que está por todas partes en esta película, como ha admitido el director en varias entrevistas. Las criaturas y sirenas que se ven a lo largo de la película indican que la isla podría ser el hogar de los Abyss, antiguos dioses marinos lovecraftianos que se aparean con los humanos para crear especies híbridas completas.

En definitiva, las alusiones mitológicas y literarias se suman al tema de la eterna lucha del hombre contra fuerzas de la naturaleza mucho más poderosas que él. Ante todas estas amenazas existenciales, buscamos recuperar el poder sobre la imprevisibilidad de la naturaleza por cualquier medio.

Incluso si significa matar a su único compañero con un hacha por el privilegio de mirar una luz.

Las fotos muestran al Joker de Leto con el pelo largo y con una bata de hospital. El personaje es diferente a la versión tatuada y de pelo corto del Joker que Leto describió en la película Escuadrón Suicida 2016.

“El príncipe heredero del crimen, @JaredLeto. #SnyderCut”, escribió Snyder en el mensaje.

Snyder dirigió la versión original de la Liga de la Justicia, pero renunció a la película tras la muerte de su hija. Joss Whedon fue contratado para terminar la película, lo que cambió la visión original de Snyder.

joker de Zac Snyder

En una entrevista con Vanity Fair, Snyder dijo que decidió añadir al Joker después de que le ofrecieran la oportunidad de hacer el corte del director.

“El Joker es realmente lo único que pensé en retrospectiva”, dijo Snyder. “Pero diré que siempre tuve la intención de traer al Joker a este mundo”.

Snyder dijo que el Joker aparecería en una secuencia onírica vivida por Bruce Wayne, alias Batman (Ben Affleck).

“Lo mejor de la escena es que es el Joker el que habla directamente con Batman de Batman”, dijo Snyder. “Es el Guasón analizando a Batman para descubrir quién y qué es”.

El Joker del Snyder Cut

Eso es lo que yo también pensaba que los fans se merecían del Universo DC. A saber, Jared Leto Joker y Ben Affleck Batman, nunca se unieron realmente”, añadió. Juntos.

La Liga de la Justicia de Zack Snyder se estrenará el 18 de marzo en HBO Max. Snyder ya ha compartido una foto teaser del Joker de Leto ocultando el rostro del actor.

¿Es Gambito de dama, como todos dicen, un acierto de Netflix o no deberías perder el tiempo con esta serie? Crítica, análisis y curiosidades.

Gambito de dama es uno de los últimos lanzamientos de la plataforma conocida mundialmente Netflix. Es, además, una de las series más comentadas y más controvertidas de los últimos tiempos porque la amas o la odias. ¿Cómo puede una serie de Netflix causar sensaciones tan opuestas? Te lo contamos. 

Gambito de dama – protagonista

Gambito de dama llegó a Netflix sin hacer demasiado ruido a su alrededor, pero ha acabado convirtiéndose en uno de los fenómenos televisivos del año. Gambito de dama, es una adaptación del libro de Walter Tevis sobre una joven prodigio del ajedrez perseguida por sus adicciones.

En cuanto al reparto es muy variado y bien hilado. Cada uno cuenta con su propia personalidad que incluye, en numerosas ocasiones, traumas, miedos y adicciones. Todo el elenco de la serie televisiva se une a la perfección para dar vida a Gambito de dama. 

Anya Taylor-Joy como Beth Harmon

Beth Harmon es la protagonista del reparto de Gambito de dama. 

La actriz de 24 años nació en Miami, pero a los pocos meses de vida se trasladó a Argentina hasta los seis años cuando se trasladó a Inglaterra.

Comenzó su carrera como modelo hasta el 2016, saltó a la fama como actriz en el papel de Thomasin en la película de terror The Witch. A partir de ahí, dirigió varias producciones como Morgan Split, además de aparecer en seis episodios de Peaky Blinders.

Entre los premios más importantes recibidos, se encuentra el Trofeo Chopard en el Festival de Cine de Cannes 2017: un premio otorgado a jóvenes actores de gran proyección.

Thomas Brodie Sangster como Benny Watts

El inglés de 30 años es mejor conocido por Game of Thrones y Maze Runner.

El intérprete de Benny comenzó su carrera como actor infantil y sus muchos trabajos también incluyen Doctor Who, Phineas and Ferb y American Dad!.

Bill Camp como el Sr.Shaibel

Es un actor estadounidense de 59 años con una dilatada carrera en cine y televisión.

Fue en series famosas como Law and Order, The Good Wife y The Outsider.

En la gran pantalla se ha distinguido en películas como Apuesta Maestra (2017), Vice (2018) y Vida salvaje (2018).

Además, en 2019 formó parte del Joker interpretando al Detective Garrity.

Moses Ingram como Jolene

La joven actriz se graduó en 2019 y ya tuvo su primera gran experiencia en la miniserie de Netflix.

“Bonita primera experiencia. No podría pedir nada mejor que trabajar con gente súper paciente y generosa ”, explicó en una entrevista con The Post.

La cantante Jolene hará su segunda aparición en “The Tragedy of Macbeth”, una próxima adaptación de “Macbeth”, protagonizada por Denzel Washington y Frances McDormand.

Christiane Seidel como Helen Deardorff

Es una actriz de 38 años de ascendencia alemana y danesa, mejor conocida por su papel de Martha en la miniserie Godless y de Sigrid Mueller en la serie Boardwalk Empire.

Comenzó su carrera en 2007 y también apareció en un episodio de Law and Order en televisión.

Rebecca Root como Miss Lonsdale

Actriz y comediante inglesa de 51 años conocida por interpretar al primer personaje transexual de la serie Doctor Who.

También estuvo en The Danish Girl como enfermera y en 4 episodios de Medici.

Fue reconocida como una de las pocas actrices abiertamente transgénero en la actualidad.

Chloe Pirrie como Alice Harmon

La actriz escocesa de 33 años protagonizó The Game en 2014, la película Shell en 2012 y An Inspector Calls en 2015.

Además, estuvo en The Waldo Moment, un episodio de Black Mirror de 2013. Recientemente apareció como la fiscal Ella Mackie en la miniserie de suspenso de la BBC The Victim.

El gambito de la reina consta de tres movimientos. Las blancas primero hacen avanzar el peón de la dama dos espacios. Entonces, las negras responden moviendo su peón de dama dos espacios hacia adelante. Finalmente, las blancas responden adelantando el peón de su alfil dos espacios. Es una buena jugada para aprender a jugar al ajedrez.

gambito de dama tablero

¿Pero qué tiene que jugar el gambito de dama con la serie de Netflix?

Si no te gusta el ajedrez y ahora te apasiona la serie, es común que te preguntes si la serie es fiel a la realidad del juego, y la respuesta es: sí, es muy fiel. Para asegurarse de que la serie fuera fiel a la realidad, los productores contrataron consultores externos, incluida la ayuda de Bruce Pandolfini, quien anteriormente trabajó en la película En busca de Bobby Fischer, y quien también asesoró al guionista de la película. Novela que da título a la serie, Walter Tevis (el mismo niño, entre otros, que escribió El color del dinero) y el ajedrecista Garry Kasparov.

El nombre de la serie, Gambito de dama, no se trata tanto de movimiento como de respuesta al movimiento. El gambito de dama representa las dificultades que le van apareciendo al personaje de Beth Harmon en vida y ella, como buena jugadora, no la acepta, ni en la vida ni en el ajedrez.

Gambito de dama es una serie que ha encantado a la mayoría de la audiencia. Tal vez por eso mismo, por poner las expectativas tan altas, algunos aficionados a las series de Netflix como yo nos hayamos llevado una pequeña desilusión.

¡Y no es que la serie esté mal! Ni mucho menos. 

Técnicamente, es fantástica, eso es innegable. La decoración, las actuaciones, la banda sonora que retoma algunos de los grandes temas de los años sesenta, etc. Todo fabuloso. Pero la historia es predecible y, en muchas ocasiones, está llena de clichés. Después de todo, es lo mismo de siempre. La misma película sobre un genio excéntrico y loco que ya hemos visto mil veces antes, pero ahora en formato miniserie. A la gente le encantan las películas geniales y locas. Siempre que se hace una producción sobre alguien que se destaca en algún campo, se nos presenta como alguien a quien le falta un tornillo o que tiene una personalidad… diferente. Supongo que a la gente le gusta pensar que la genialidad tiene un precio.

gambito de dama Harmon

La serie realmente enfatiza que Morphy y Steinitz se volvieron locos. Sin embargo, el actual campeón mundial Magnus Carlsen, quien es posiblemente el mejor jugador de ajedrez de la historia, es un tipo normal que va al campo de fútbol para animar a su equipo y actúa como un ganador de fútbol normal. No está loco, ni es antisocial, ni tiene problemas de adicción. Pero cuando se trata de hacer una película de ajedrez, no se trata de Carlsen, ni de Kasparov… no, la protagonista es claramente la versión femenina de Bobby Fischer con el alcoholismo de Mihail Tal.

Sin embargo, hay que reconocer que Gambito de dama ha logrado acercar el ajedrez a los espectadores de una forma, a veces técnica, pero en su mayoría accesible a todo el mundo. Aunque se mencionan muchos maestros del ajedrez, así como muchos nombres de juegos complicados, el espectador menos experimentado puede seguir fácilmente el curso de la historia. Y, además, te aseguro que cuando acabes la serie, muchos habrán aprendido algunas cosas que no sabían sobre deportes, e incluso tendrán la fuerte tentación de probarlos..

Es muy interesante saber que hay consenso entre todos los expertos que han hablado de la serie y es que técnicamente no hay ningún error en Gambito de dama: juegos de recreación, movimientos de manos… Aunque parezca mentira todos estos pequeños detalles ayudan a diferenciar a un jugador profesional de un aficionado.

Las partidas que se pueden ver en parte de la serie (una partida de ajedrez puede durar alrededor de cuatro horas y es imposible reflejar en la ficción) son partidas reales, según detalla un experto en ajedrez de New York Times. Por ejemplo, cuando Beth disputa el título de Kentucky State con Harry, se recrea un juego que tuvo lugar en Riga, Letonia en 1955. Uno de los juegos rápidos que jugó Benny Watts se jugó en la Ópera de París en 1858 y el juego The Final Series tuvo lugar en Biel, Suiza, en 1993.

La serie resulta ser una apuesta seria y profesional que busca unir tanto a quienes no practican deporte como a quienes lo hacen. Puedo suponer que los académicos y expertos en ajedrez se divertirán mucho más que cualquier espectador normal, ya que se hacen muchas referencias a profesionales en todo el mundo, y se habla mucho sobre tácticas y juegos que alguien sin este conocimiento no puede entender.

gambito de dama partida final

Gambito de dama no está basada en ninguna historia real en concreto. Sin embargo, es una serie que tiene mucho de real y es que, aunque la serie toma como referencia principal al personaje ficticio del libro Gambito de dama escrito por Walter Tevis, está inspirada en jugadores de ajedrez reales para desarrollar la historia de Beth Harmon.

“Si he aprendido algo de estar en esta industria, es que nunca se puede decir nunca”, explicó Anya Taylor-Joy en una entrevista. “Definitivamente regresaría si me lo pidieran”, explicó, aunque siente que Beth tuvo un final perfecto y no ve la necesidad de una secuela. “Por primera vez, me siento capaz de admitir que estoy feliz”, dijo Scott Frank, escritor y director de todos los episodios de Lady’s Gambit.

La serie es una creación de la plataforma Netflix, por lo tanto, para poder verla tienes que pagar la suscripción mensual. Una vez dentro de Netflix podrás ver y descargar la serie en tus dispositivos móviles y tablets. De esta forma podrás verla de forma online u offline. 

La recomendación final es que, aunque se haga un poco larga en ciertos momentos, la serie es una agradable experiencia que seguro os hará conectar con el mundo del ajedrez.

Por si no había quedado ya patente la fama que ha alcanzado la serie televisiva de Netflix, recientemente hemos podido ver al Youtuber más famoso en España jugando al ajedrez en Twitch al más puro estilo Gambito de dama. 

En una retransmisión que ha denominado el gambito del ratón noruego, elrubius ha estado practicando su destreza con el ajedrez. 

Una prueba más de que esta serie no deja indiferente a nadie.

https://www.twitch.tv/videos/900825915