Por un lado están las historias en las que el destino puede cambiarse fácilmente. Como ejemplo de esto tenemos “Regreso al futuro”, donde Marty McFly cambia el transcurso de los acontecimientos y estos afectan directamente a su línea temporal, amenazando incluso su propia existencia.Después, tenemos la franquicia de Terminator, en la que el Armagedón nunca se detiene del todo, pero se puede evitar durante un tiempo. También tenemos los cómics de franquicias como DC y Marvel, donde algunos acontecimientos -los asesinatos de familiares de Batman o del tío Ben, por ejemplo de Peter Parker- son fijos y otros pueden cambiarse de forma totalmente aleatoria. Por último, llegamos al otro extremo y llegamos por tanto a 12 Monos, donde la historia se escribe con hierro.

Bruce Willis, interpreta a James Cole en 12 monos. Al principio de la película de Terry Gilliam de 1995, vemos como Cole es considerado loco por sus delirios cómo es enviado desde 2035, donde la humanidad vive en lúgubres túneles subterráneos después de haber abandonado la superficie por una pandemia provocada por un virus (sí, como el COVID-19). La película cuenta la historia de Cole en un curso cronológico que es o una verdadera locura o tan simple como una película de viajes en el tiempo se nos puede antojar. Aunque hay momentos en la película en los que parece que el destino podría cambiarse, la conclusión. de esta obra maestra profundamente pesimista (alerta de spoiler) indica claramente que Cole tiene razón: la humanidad va a caer y nadie podrá evitarlo.

Esta pregunta es el centro del argumento de 12 Monos. Además de ser visualmente impresionante y de estar llena de encanto en la interpretación, hace un llamamiento que es muy necesario en estos tiempos oscuros. En definitiva, 12 Monos ofrece una visión de la curiosa alegría y esperanza que debemos abrazar cuando todas las formas convencionales de la misma se han perdido.

La película sigue a Cole que va y viene entre los años 90 y 2030, interactuando entre la era pre-virus con una psiquiatra llamada Kathryn Railly (la subestimada Stowe Madeleine) y un eco-activista mentalmente inestable llamado Jeffrey Goines (un poco “demasiado nervioso Brad Pitt). Su misión, decretada por científicos autoritarios en los años 30, no es impedir el fin del día, sino encontrar una muestra del virus en su forma más temprana y traerla para poder sintetizar una cura. No hay esperanza para la gente de Cole ve en su viaje en el tiempo. 

Somos capaces de encontrar algún tipo de alegría en 12 monos:la importancia de los placeres transitorios de nuestro día a día. Mientras que en los años 90, vemos a Cole haciendo gradualmente una transición. Al principio, está en una ferviente misión de sentido, tratando de canonizar su camino por el mundo, para conseguir lo que necesita del pasado y volver al presente, lo antes posible. Pero a medida que continúa su viaje, le encontramos tomándose más tiempo para saborear los últimos días antes de que la humanidad haya perdido su batalla con la naturaleza y se haya retirado a la vida bajo la superficie del planeta.

En un momento dado está en un coche con Railly (está después del secuestro y antes de empezar una historia de amor) con la radio y escuchan a Fats Domino “Blueberry Hill”. Se ríe mientras las lágrimas comienzan a resbalar por sus mejillas. “¡Me encanta la música del siglo XX! “, exclama. “¡Me encanta esta melodía! ¡Me encanta respirar ese aire! “. Aspira profundamente el oxígeno y saca la cabeza por la ventana, desplomándose.

Es un buen momento, he pensado a menudo desde que he visto 12 monos. La alegría no es enemiga de la acción; de hecho, sin alegría, difícilmente se puede imaginar encontrar un motivo de preocupación. Dicho esto, tenemos la obligación de no pasar todas nuestras horas asumiendo que no se puede hacer nada. La película advierte contra el hedonismo justo en el momento en que Cole interactúa brevemente con un enfermo mental que describe sus fantasías sobre la vida en otro planeta y concluye: “Huyo de algunas realidades sin nombre que afligen mi vida aquí”. Cuando deje de ir allí, estaré bien. Estamos bien si vivimos en la alegría todo el tiempo. Pero vale la pena probar lo que se pueda, aquí y allá.

¿Y la esperanza? Hay una mezcla de deber y locura dulce y benévola. A primera vista, 12 monos nos proporcionan casi exclusivamente terror. Gilliam y su equipo ofrecen una visión inolvidable del mundo donde habita Cole, donde comienza la narración. Es un mundo en el que, como él dice, los humanos viven “como gusanos” en lo que parecen ser enormes tanques de aguas residuales subterráneos. Allí es un prisionero, encarcelado por delitos no detallados, encerrado en una jaula no más grande de lo que se puede conseguir para un perro. La vez que vemos el mundo de la superficie post-virus, que ha sido recuperado por los animales: osos y leones merodeando entre los edificios agrietados de lo que una vez fue Filadelfia. En los años noventa tenemos premoniciones de desastre, y no sólo de Cole. Goines habla regularmente sobre la humanidad y cuando Cole habla de un apocalipsis viral, responde: “¿Aniquilar a la raza humana? ¡Es una buena idea!”. 

Cuando nos encontramos con un virólogo que resulta ser el autor de Armagedón (David Morse), asiste a una conferencia sobre los profetas de la fatalidad a lo largo de la historia. “Creo, Dr. Railly, que ha dado un mal nombre a los alarmistas”, dice antes de enumerar todas las formas en que la humanidad se está destruyendo a sí misma, y a la biosfera.”

En un salto admirablemente audaz hacia la oscuridad, la película continuó con estas nociones hasta el final. No hay ningún punto en el que alguien defienda el triunfo de la humanidad y diga que el amor seguramente lo conquistará todo. Sin embargo, hay breves momentos en los que los personajes creen que pueden despojarse de su cruel y fatídica resignación: en su viaje final a los años 90, Cole intenta decidir quién está loco, y su presencia en la “alucinación de los 30 años fue una”, y se va a Railly con ella, pero cuando empieza Cole a predecir con exactitud lo que no podría saber si no le hubiera visto ya cómo se desarrollarían los acontecimientos, sigue dudando. En las escenas finales de la película, Cole ve a un virólogo en un aeropuerto, reconoce su plan e intenta perseguirlo y detenerlo. Pero esto hace que Cole sea disparado por la policía antes de que pueda alcanzar su objetivo, también nos muestra que el virólogo ya había abierto  su primera botella del virus. Después de todo, es demasiado tarde.

12 monos nos recuerda que podemos aprender de los días que vivimos, para mejorar el mundo que viene. Seguimos viviendo en el presente, y todavía hay trabajo que hacer y demanda que vivir. Incluso Cole, al final de la historia, parece darse cuenta de esto, y, en los años 90, las líneas de que deberían resonar en nuestras cabezas: “Este es el presente. Esto no es el pasado. Esto no es el futuro. Este es el presente“.

En este artículo analizamos “Raya y el último Dragón”, lo último en entretenimiento con dragones de Disney.

A Hollywood le encantan los dragones. Están “Juego de Tronos”, “Corazón de Dragón”, el mucho mejor remake de 2016 de “El Dragón de Pete” y el estándar de oro de los tragafuegos, “Cómo entrenar a tu dragón”, una de las mejores películas familiares de CGI jamás realizadas.

Hay algo muy peculiar en una mascota que puede destruir a todos tus enemigos sin levantar una garra.

“Raya”, que tiene mucho que ofrecer, no es tan emocionante como cualquiera de estas otras películas o programas de televisión. La princesa del título, la primera princesa del sudeste asiático de Disney, no hace llorar en sus momentos de triunfo, y la historia se pierde en una lucha geopolítica de naciones rivales que se esfuerza demasiado por ser relevante. 

En definitiva, el trabajo de CGI independiente de Disney en Pixar ha encontrado por fin consistencia y “Raya” se une a “Frozen”, “Zootopia” y “Moana” en su lista de películas divertidas y de gran calidad.

Realmente hay mucha intriga. Estos estados beligerantes formaron en su día parte de la Tierra de Kumandra, un colectivo que rodeaba un lago con forma de dragón. Los territorios se llaman Corazón, de donde es Raya (a la que pone voz Kelly Marie Tran), Talón, Colmillo, Cola y Columna. El mapa es la viva imagen de la bandera “Join or Die” de la Guerra de la Independencia, que cualquier aficionado a la historia reconocerá sin duda.

Quinientos años antes, los Cinco Pueblos coexistieron pacíficamente junto a coloridos dragones parlantes cuya magia les trajo prosperidad y objetos útiles como el agua.

Entonces, un grupo de feroces monstruos de humo llamados Droon irrumpió y convirtió en piedra a muchos ciudadanos y dragones. Pero un dragón llamado Sisu (Awkwafina) creó una poderosa gema para salvar el mundo.

Al principio de “Raya”, los pueblos enemigos luchan por la piedra y la rompen en cinco pedazos, liberando de nuevo al Droon y condenando a los Kumandran. Depende de Raya viajar a cada tierra lejana, escalar la roca y traer de vuelta a su padre, que fue congelado por el Droon, mientras reúne amigos en el camino.

Todo el espectáculo es intimidante, por no hablar de su extraño “Señor de los Anillos”. – pero una vez terminada la larga lección de historia, la película se convierte en “Buscando las piedras”,

Avanzamos hasta seis años después del desastre de Droon, cuando Raya convoca a Sisu para que le ayude en su heroica búsqueda.

Destaca especialmente porque la película de Disney es realmente más una película de acción que la rutina habitual de las princesas. Raya no tiene experiencia en la formación, ni en el canto, ni en el intento de complacer a su padre, ni en la trama romántica, ni en la ayuda para vestirse. Lo que hay son ballestas y espadas.

Y en ese sentido es un éxito. Las batallas y las misiones de cada lugar son visualmente emocionantes. Uno de ellos es un mercado flotante de estilo asiático bellamente representado, mientras que otro es un desierto de “Mad Max”, con cortes de pelo de Charlize Theron a juego.

Aunque la parte de la arena no sea tan satisfactoria como podríamos esperar, por lo menos sigues descargando adrenalina.

Llevo un tiempo viendo el anime Assassination Classroom y por fin lo terminé ayer. Voy a dar mi opinión sobre el anime Assassination Classroom. Para empezar, debo decir que disfruté mucho viendo Assassination Classroom y también leyendo su manga, pero voy a hacer una crítica sólo del anime.

Assassination Classroom (japonés: 暗殺 教室, Hepburn: Ansatsu Kyōshitsu) es una serie de manga de ciencia ficción japonesa escrita e ilustrada por Yūsei Matsui. La serie sigue la vida cotidiana de un poderoso “pulpo” que trabaja como profesor de instituto y sus alumnos se dedican a la tarea de asesinarle para evitar la destrucción de la Tierra. Los alumnos son considerados “inadecuados” en su escuela y se les enseña en un edificio separado; la clase en la que enseña se llama 3-E. La serie apareció en la revista semanal Shueisha Shōnen Jump desde julio de 2012 hasta marzo de 2016 y se recopiló en veintiún volúmenes tankōbon.

Intento de asesinato a Koro Sensei

Una adaptación original en vídeo animado (OVA) de Brain’s Base se emitió durante el Jump Super Anime Tour de octubre a noviembre de 2013. Le siguió una adaptación televisiva animada de Lerche, que se emitió en Fuji TV de enero de 2015 a junio de 2016. En marzo de 2015 se estrenó una adaptación de acción real de la película de acción y en marzo de 2016 una secuela, Assassination Classroom: Graduation.

En Norteamérica, Viz Media autorizó la publicación del manga en inglés. La serie de anime tiene licencia de Funimation. Madman Entertainment se encargó de la distribución digital de la serie en Australia y Nueva Zelanda. En febrero de 2016, el manga Assassination Classroom tenía más de 20 millones de ejemplares en circulación.

— A PARTIR DE AQUÍ PUEDE CONTENER ALGÚN SPOILER —

La Tierra está en peligro tras la repentina aparición de un organismo inmensamente poderoso que se expande y destruye el 70% de la Luna, dejándola permanentemente en forma de media luna. El organismo afirma que dentro de un año destruirá el planeta, pero ofrece a la humanidad la posibilidad de evitar este destino. En la clase 3-E, la última clase del instituto Kunugigaoka, comienza a trabajar como profesor de clase donde enseña a sus alumnos las materias y formas habituales de asesinato. El gobierno japonés promete una recompensa de 10.000 millones de yenes (100 millones de dólares) a quien entre los estudiantes consiga matar al organismo, al que llaman “Koro-sensei” (殺 せ ん ー, Korosensē, un juego de palabras. Su korosenai (殺 せ な い, imposible de matar) y sensei (先生, maestro)). Sin embargo, esto resulta ser una tarea realmente inalcanzable, ya que no sólo tiene varios superpoderes a su disposición, como la regeneración acelerada, la clonación visual, la forma invencible y la capacidad de moverse y volar a Mach 20, sino que también es el mejor maestro. Pueden pedirlo, ayudándoles a mejorar sus notas, sus capacidades individuales y sus perspectivas de futuro.

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A medida que la serie avanza, la situación se complica aún más, ya que otros asesinos van tras la vida de Koro-sensei, algunos sedientos de recompensa, otros por motivos personales. Los estudiantes finalmente descubren los secretos sobre él, la destrucción de la Luna y su relación con su antiguo profesor, incluyendo la verdadera razón por la que debe ser asesinado antes del final del año escolar. La serie está narrada por Nagisa Shiota, una de las alumnas de la clase cuya principal estrategia para matar a Koro-sensei es enumerar todas sus debilidades a lo largo del tiempo. Al principio, Nagisa parece ser uno de los miembros más débiles de la clase 3-E, pero más tarde se convierte en uno de los asesinos más hábiles de la clase.

Lo primero que te gustará de este anime es la creatividad de cada alumno para encontrar nuevas formas de matar a su profesor. El amor y la dedicación de un profesor a sus alumnos es refrescante y de un valor incalculable. Cada escena de intento de asesinato está llena de acción. Los anfitriones de Studio Lerche hicieron un trabajo encomiable en Assassination Classroom. El humor es también una parte integral de la serie, ya que la profesora Alien cuando interactúa con sus alumnos durante los exámenes o intenta ocultar su identidad en el mundo crea momentos muy divertidos para los espectadores.

Assassination Classroom tiene bastante desarrollo hacia el final de la serie, se trata de las emociones y el aprendizaje de todos los estudiantes y su amor por su profesor alienígena. Google describe el género del anime como Acción, Si-Fi y Comedia, que este anime “shounen” cumple completamente. Assassination Classroom no tiene relleno.

El único problema que tuve con el anime fue que a veces piensas que las cosas van en el mismo ciclo de vencer al profesor y el anime se hace lento, por lo demás es una obra maestra. Esta laguna legal es sólo para hacer un punto, no es un gran problema. El anime solo tiene 47 episodios y completa la historia y solo deseo que haya más historia.

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Assassination Classroom actualmente está disponible en Prime Video y Netflix. En ambas plataformas podrás descargarte la serie. Si tienes activa una suscripción de Amazon Prime podrás ver y descargar la serie TOTALMENTE GRATIS.

Advertencia: esta reseña del episodio 5 de WandaVision contiene spoilers. Si aún no has visto el capítulo de Disney Plus, guarda esta página en tus favoritos y vuelve cuando lo hayas visto…

WandaVision ha tenido por fin su momento Baby Yoda. No se puede negar que, aunque la serie de Marvel es increíblemente glamurosa, la respuesta general ha sido algo apagada y carece del mismo fervor general que explotó tras el lanzamiento de The Mandalorian en Disney Plus. No es por eso que WandaVision no se preste a teorías, y ciertamente lo hace con el gran universo cinematográfico de Marvel, es sólo que la serie perdió un gran momento singular que la lanzó de repente a la conciencia social. Ahora sí.

Esperábamos que el hermano de Wanda se revelara en algún momento, con el consenso general de que veamos al Quicksilver de Aaron Taylor-Johnson en un flashback. Marvel rompió con todo y trajo de vuelta a Evan Peters de las películas de X-Men. Es una decisión impactante y audaz que cambia por completo los fundamentos del universo Marvel.

“¿Has remodelado a Pietro?”, le pregunta Darcy a Kat Dennings, pero sabemos que no es así. Es el momento en el que 21 años de películas de X-Men de Fox y más de una década del MCU finalmente chocan. Y está totalmente subestimado. Peters entra en escena como un deportista americano cliché, tomando sabias instantáneas de una visión congelada y actuando como si todo estuviera bien. No está bien. No sólo nuestras mentes colectivas están sacudidas por este gigantesco crossover, sino que el mundo de Wanda y Visión ha comenzado a implosionar.

El episodio comienza con el dúo protagonista cuidando a sus bebés recién nacidos, con las risas del público mientras hacen divertidas separaciones. Hasta aquí, las comedias. Entra Agnes, la curiosa vecina de Kathryn Hahn, que inocentemente (aparentemente) quiere ayudar con William y Billy. El espectáculo se interrumpe rápidamente cuando Agnes pregunta si deben filmar la escena que sigue a las bromas amortiguadas de Vision. Parece engañado y Wanda, iluminándolo efectivamente, finge que no ha pasado nada.

Vision continúa explorando la posibilidad de que las cosas no vayan bien en WestView. Empieza a cuestionar todo -su casa, su trabajo, su mujer- y los muros empiezan a derrumbarse. WandaVision ha hecho un gran trabajo jugando con los tropos de la televisión, y ver los créditos rodar cuando Wanda quiere que la discusión termine es un detalle divertido que ilustra lo extraño que es este programa.

Mientras tanto, en las afueras de Westview, el equipo de SWORD hace todo lo posible por entrar en la ciudad de Nueva Jersey. Hay mucha exposición, llegando a los no aficionados a Marvel con todo lo que le ha pasado a Wanda hasta ahora -aunque, para entender completamente la avalancha de información, es necesario haber visto al menos las películas principales de los Vengadores. Rambeau, Jimmy Woo y Darcy forman un equipo divertido, aunque el escenario del mundo real -ese jefe de SWORD es en realidad un burro y depende del equipo de Rambeau para salvar el día- me deja con ganas de volver a Westview.

Sin embargo, hay una interacción importante entre los dos mundos que merece la pena mencionar. Wanda sale de Westview vestida con su traje de los Vengadores, con un aspecto amenazador y roto. El director de SWORD tiene razón al estar asustado, pero los guionistas de la serie obviamente quieren que nos pongamos del lado de Wanda de forma tan rotunda que no hay forma de que sea la verdadera villana… ¿no? Agnes y su misterioso marido, Ralph, parecen ciertamente tener otras intenciones, y no puede ser una coincidencia que Agnes esté tan interesada en sus hijos Maximoff y Vision que sea tan escéptica con él.

Por supuesto, puedes olvidarte de todo eso. Para la próxima semana, sólo hay una cosa de la que los fans de Marvel hablan (y hablarán), y es la aparición de Evan Peters como Quicksilver. ¿Estamos a punto de entrar en el multiverso? ¿Vamos a tener un momento House of M? ¿Está el universo Marvel a punto de cambiar para siempre?

¡Atención! Este artículo contiene spoilers de El Faro

El Faro es un viaje hermoso, salvaje, desconcertante y hechizante. Los acontecimientos que se desarrollan complican realizar un resumen de la trama, por no hablar del intento de dar explicaciones claras de lo que significa todo. 

Del director de La bruja, Robert Eggers, surge esta surrealista película de terror en blanco y negro de 35 mm está protagonizada por Robert Pattinson y William Dafoe en el papel de dos fareros. El personaje de Pattinson (al que llamaremos Ephraim para simplificar las cosas, aunque eso también sea un problema) es el nuevo asistente temporal de Thomas Wake.

Las dos horas de locura que siguen hacen que salgas de la película sin saber en qué dirección está el norte o el sur. No hay una única forma “correcta” de entender lo que ocurre en The Lighthouse. Pero haremos todo lo posible para ser un faro de luz que te guíe a través de la oscuridad de esta tormenta de confusión.

Si la ambigüedad y las alusiones de El Faro se prestan a todo tipo de inmersiones metafóricas, también hay lecturas más directas. O mejor dicho, tan simple como puede ser esta película.

La primera es que Efraín ha perdido la cabeza mientras esperaba la gran tormenta, por lo que la mayor parte de lo que ocurre después de la noche en que el barco no llega sucede en su cabeza. Por supuesto, también hay cosas raras antes de eso. Pero la mayoría de ellos pueden atribuirse al hecho de que Efraín estaba soñando, fantaseando o siendo paranoico.

La realidad sólo empieza a cambiar a partir de la noche en que Thomas hace beber a Efraín por primera vez. Se puede decir que el alcohol casero (o quizás queroseno) que beben también envenena sus mentes, lo que bien puede haber causado las alucinaciones que siguen.

Lo que finalmente lleva a nuestro protagonista a la locura también está en duda, así como si Thomas lo manipuló deliberadamente.

Estar atrapado en esta isla perdida con la peor compañía y el peor clima es suficiente en sí mismo. Pero también hay indicios de que, al igual que Moby Dick, Efraín se ha obsesionado tanto con el acceso al faro que le lleva al asesinato tras una ruptura total con la realidad. 

La película también da a entender que nuestro poco fiable narrador nunca estuvo en su sano juicio ni siquiera antes de llegar a la isla. Como afirma Thomas, el “accidente” con la madera que provocó la muerte del capataz en la obra anterior de Efraín fue más bien un asesinato deliberado. 

Sea como sea, la culpa de esta muerte parece pesar sobre Efraín hasta el punto de hacerle caer. Al principio de la película, sueña que se ahoga bajo los troncos y más tarde, en sus momentos más impactantes, ve destellos del hombre asesinado. Además, la forma en que acaba matando a Thomas con un hacha nos recuerda la anterior ocupación de Efraín como leñador.

Pero Thomas tiene razón en una cosa: Efraín aceptó este horrible y aislado trabajo en la isla porque está huyendo. Pero, como pronto descubre, no puede escapar de la prisión de su conciencia culpable. 

Pattinson prefiere esta lectura de la historia, y Eggers declaró a Den of Geek que “Robert Pattinson me dijo antes de aceptar: ‘No quiero hacer una película sobre un faro mágico’. Quiero hacer una película sobre un maldito loco“.

Es igualmente probable que Tomás y Efraín compartan el mismo engaño. O (y hablaremos de esto más adelante), puedes ver a Tomás y Efraín como dos partes de la misma persona. 

El Thomas de Dafoe también está esbozado desde el principio. Empezamos a preguntarnos si está volviendo loco deliberadamente a Efraín después de saber cómo murió su último mechón. Thomas podría haberle matado o llevado al suicidio.

Efraín encuentra la cabeza decapitada del anterior miembro en una red de pesca, por lo que Thomas se enfrenta a un testigo de su crimen. Después de esta escena, sigue tratando de incriminar a Efraín por no confiar en la realidad, enlutando constantemente, llenando su mente de ilusiones paranoicas e incluso haciéndole cuestionar el propio tiempo. 

En la escena en la que Thomas corre hacia Efraín con el hacha, cuenta otra versión de los hechos en la que él es, de hecho, el loco asesino del hacha, antes de destruir el bote salvavidas que era su única oportunidad de salir para contar la verdadera historia a las autoridades.

¿Por qué Thomas sigue matando a sus asistentes? Pues bien, Efraín descubre más tarde notas de su superior llenas de mentiras sobre su mala conducta, y la sugerencia de que la empresa lo despida sin sueldo. Tal vez Thomas sólo buscaba más dinero. 

O tal vez sólo sea un juego enfermizo al que juega todo el tiempo (hasta ahora).

Si algo puede decirse que es “obvio” en esta película, es la innegable y creciente tensión homoerótica entre Thomas y Ephraim. De hecho, el homoerotismo está incluso incrustado en el propio símbolo del faro.

“Era bastante explícito en el guión. El guión decía que el faro parecía un pene erecto”, dijo Pattinson en una entrevista con HuffPost.

Eggers añadió que el subtexto homosexual siempre estuvo en el corazón de la relación central de la película, pero que “todo se trata de una dinámica de poder, así que Willem empuja, empuja, empuja. Y hay ira reprimida, energía erótica reprimida y olores reprimidos. ¿Dónde está el punto de ruptura?”

Pero la sexualidad de ambos, según Eggers, no es binaria (gay versus no gay). No se trata tanto de explorar la sexualidad humana o la orientación sexual como de abordar las cuestiones que estos matices sexuales homoeróticos representan en una perspectiva freudiana más amplia.

También hay muchas cosas heteronormativas, como el hecho de que Tomás humille a Efraín obligándole a hacer tareas domésticas más “femeninas”, lo que le lleva a decir que se apuntó a ser la mujer de nadie. 

Mientras tanto, Thomas se vuelve exclusivo, en cierto sentido, con el símbolo fálico del faro. Constantemente se refiere al faro como si fuera ella, equiparándola con una esposa mejor que cualquier mujer viva. Según Dafoe, el homoerotismo de la película habla de ciertos aspectos de la identidad y de lo que significa ser un hombre: 

“¡Masculinidad tóxica! Se empujan unos a otros por miedo y por la amenaza de lo que son. Y ambos son culpables. Tienen un sentimiento de culpa, de maldad. No hay juicio moral en esta historia. Se trata de ver a estos dos chicos luchar para encontrar una manera de sobrevivir, realmente…. Es una historia sencilla, pero tiene raíces existenciales y cosas sobre la identidad y cosas sobre la masculinidad, la dominación y la sumisión. Y para bien o para mal. Luego ves que se da la vuelta y es muy bonito”.

Como resume Eggers al final de la entrevista, todo lo que escribe está “inspirado en Jung”, lo que significa que trabaja con símbolos y arquetipos que el psicoanalista Carl Jung ha descrito como parte del inconsciente colectivo.

“Lo martilleamos con bocallaves vaginales y herramientas fálicas de leñador y troncos”, dijo.

Desde la perspectiva junguiana, Thomas y Ephraim también podrían representar diferentes aspectos de la psicología de la misma persona. Tomás es como el Id bestial que cede a todos sus deseos más bajos y Efraín es como el ego, consciente de las normas sociales y que lucha por mantener la civilización. Todo esto se ve apoyado por el hecho de que nos enteramos de que el verdadero nombre de Efraín también es Thomas (o Tommy).

Ahora que hemos superado las lecturas más mundanas de la película, vamos a sumergirnos de lleno en lo que podrían significar las numerosas alusiones míticas y literarias que se encuentran dispersas a lo largo de El Faro.

En la frente de Moby Dick, al igual que la ballena, el faro puede verse como un símbolo de la arrogancia del intento del hombre por vencer o conquistar las fuerzas más poderosas de la naturaleza. Los faros fueron diseñados para ayudar a los barcos a navegar por los peligros del mar. Los faros, una estrella del norte hecha por el hombre que guía a los marineros en la oscuridad y las tormentas, nos dan una falsa sensación de seguridad a la que podemos aferrarnos cuando nos enfrentamos a lo desconocido.

En la última escena, cuando Efraín puede por fin mirar el faro, la oscuridad literal de la película en blanco y negro es erradicada por su luz cegadora. Ilumina un rostro lleno de alivio, alegría y júbilo, como si Efraín hubiera encontrado por fin la respuesta a todas las incertidumbres existenciales a las que se enfrentaba en la roca.

Hablando de la secuencia final, La arrogancia y la luz del hombre, Eggers dijo a Vox que había escrito a Efraín para representar la figura mitológica griega de Prometeo y a Tomás como Proteo. 

Conocido como el campeón de la humanidad, Prometeo creó al hombre de la arcilla y también desafió a Zeus robando el fuego a los dioses para dárselo a la humanidad. Como en el último plano de la película, el castigo de Prometeo por este robo es ser encadenado a una roca mientras es comido vivo por un águila, una tortura que dura toda la eternidad ya que es inmortal y nunca puede morir realmente.

La gente suele analizar el “fuego” de esta leyenda como una metáfora del conocimiento, la luz literal que significa “iluminación” o “esclarecimiento” de la humanidad. De nuevo, esto se refiere al faro como símbolo de cómo el hombre utiliza el conocimiento para inventar formas de mantener a raya la oscuridad, la muerte y lo desconocido. 

A lo largo de la película, Efraín se enfrenta constantemente a las fuerzas mortales de la naturaleza y se siente fascinado por ellas, ya sean tormentas o sirenas. Estos momentos se contraponen a todas las máquinas creadas por el hombre que él se encarga de mantener, ya sea la máquina de vapor que hace funcionar el faro o sus numerosos intentos de evitar que los elementos, como el agua o la tierra, destruyan la casa.

Thomas como Proteo también es muy lógico, ya que Proteo es un antiguo dios del océano que cuenta profecías y sirve a Poseidón, y al que Homero llamaba el “Viejo del Mar”. Thomas no sólo es el arquetipo perfecto de un anciano del mar, sino que también hace esta predicción increíblemente precisa sobre cómo morirá Efraín al final de la película. 

Puede que incluso haya maldecido a Efraín en su momento, todo porque al joven no le gustaba su cocina. Probablemente sea la misma maldición que le echó al que murió antes que Efraín. Proteo también representa los cambios imprevisibles de las mareas y las tormentas marinas, lo que da credibilidad a la teoría de que Tomás provocó la tormenta que los mantuvo a ambos varados en esta isla.

Ni siquiera hemos mencionado la influencia de H. P. Lovecraft, que está por todas partes en esta película, como ha admitido el director en varias entrevistas. Las criaturas y sirenas que se ven a lo largo de la película indican que la isla podría ser el hogar de los Abyss, antiguos dioses marinos lovecraftianos que se aparean con los humanos para crear especies híbridas completas.

En definitiva, las alusiones mitológicas y literarias se suman al tema de la eterna lucha del hombre contra fuerzas de la naturaleza mucho más poderosas que él. Ante todas estas amenazas existenciales, buscamos recuperar el poder sobre la imprevisibilidad de la naturaleza por cualquier medio.

Incluso si significa matar a su único compañero con un hacha por el privilegio de mirar una luz.

El episodio 5 de WandaVision deja de lado todas las dudas al confirmar que Wanda Maximoff, alias Bruja Escarlata, podría haber vencido a Thanos SOLA en Vengadores: Endgame.

WandaVision confirma que Bruja Escarlata podría haber vencido a Thanos en Vengadores: Endgame ella sola Mucho antes del inicio del universo cinematográfico de Marvel, los lectores de cómics discutían sobre quién era el vengador (y el superhéroe) más fuerte, y esta conversación continuó en las versiones de estos personajes en la gran pantalla. Thor suele decir que es el vengador más fuerte, pero fue Hulk el que tuvo que ponerse el guante en Endgame, devolviendo la vida a todos.

Las fuerzas de Thor y Hulk fueron puestas a prueba en Thor: Ragnarok, pero a pesar de la victoria de uno de ellos, la Capitana Marvel era ampliamente considerada como la vengadora más fuerte, eso hasta que Kevin Feige, de Marvel Studios, confirmó en 2019 que en realidad era Bruja Escarlata quien podía vencerlos a todos. Esto se demostró en El fin del juego, cuando Thanos en 2014 llegó a la actualidad y luchó contra los Vengadores fuera de su recinto. Thor, Iron Man y el Capitán América intentaron vencer a Thanos en solitario, pero ninguno de ellos tuvo una oportunidad contra él. Cuando el resto de los Vengadores regresó, Wanda Maximoff atrapó a Thanos usando sus poderes y pudo haberlo matado, pero fue detenida por un bombardeo de la nave de Thanos.

Aunque se insinuó con fuerza que Wanda podría haber vencido a Thanos sola, ahora WandaVision lo confirma como un hecho. Al hablar de las habilidades de Wanda y de cómo alimenta la burbuja mágica que rodea a Westview en el episodio 5 de la temporada 1 de WandaVision, Darcy Lewis dice que Wanda debe utilizar “una cantidad insana de poder”, a lo que Jimmy Woo añade: “superar desde lejos todo lo que ha mostrado en el pasado”. Parte de esta afirmación es cierta, pero Monica Rambeau refuta el hecho de que Wanda no siempre fue tan poderosa, afirmando que “podría haber matado a Thanos ella sola si no hubiera lanzado un bombardeo”, refiriéndose a su nave “lloviendo” sobre los Vengadores en la batalla final de Endgame.

A diferencia de los cómics, Wanda no es una mutante en el MCU, y en cambio obtuvo sus poderes de la gema de la mente. Dado que estas gemas son una energía primitiva y contenida que el universo no ha visto desde el Big Bang, es comprensible que los personajes potenciados por las Piedras del Infinito -Bruja Escarlata, Visión y Capitán Marvel- sean más fuertes que todos los demás. Pero en el caso de Wanda, tiene tanto poderes físicos como psíquicos, lo que la convierte en una fuerza a tener en cuenta. Puede aplastar a las personas, separarlas y controlarlas mentalmente, todo ello expuesto en las tres últimas apariciones de Wanda en pantalla: Vengadores: Infinity War, Vengadores: Endgame y WandaVision.

Wanda puede manipular casi cualquier cosa -la energía y la realidad son sus dos objetivos principales- y al utilizar una combinación de sus habilidades, por eso pudo enfrentarse sola a Thanos. Capturó a Thanos en un campo de fuerza, de una forma u otra, y comenzó a aplastarlo a él y a su aparentemente impenetrable armadura. Y años antes, apenas unos momentos para ella, utilizó sus poderes telequinéticos para destruir la piedra mental, de la que recibió sus poderes al igual que Visión. Wanda puede mostrar nuevos poderes en WandaVision, pero la fuerza de esas habilidades seguía ahí.

Anthony Mackie, alias Falcon, y Sebastian Stan, el Soldado del Invierno, repiten sus papeles como “Vengadores” para colaborar en una aventura mundial que pone a prueba su paciencia. El viaje tiene lugar cuando Falcon recibe el escudo del Capitán América con vibranium del superhéroe retirado Steve Rogers. El programa debutará exclusivamente en Disney Plus el 19 de marzo de 2021.

La miniserie también contará con Daniel Brühl, Georges St-Pierre y Emily VanCamp, quienes repetirán sus papeles en el MCU de Helmut Zemo, Georges Batroc y Sharon Carter respectivamente. En una entrevista con Actors on Actors de Variety el verano pasado, Mackie le contó a Daveed Diggs sobre “The Falcon and The Winter Soldier” y comparó el proyecto de $ 150 millones con una “película de Marvel de seis horas“. El arte conceptual de “The Falcon and the Winter Soldier” se compartió en el documental corto “Marvel Studios: Expanding the Universe” en Disney Plus en 2019.

Kari Skogland fue elegida por Disney Plus para dirigir el espectáculo. El presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y el escritor creador de la serie, Malcolm Spellman, son productores ejecutivos.

La producción de “El halcón y el soldado de invierno” no fue realmente fluida. El rodaje del programa comenzó en enero de 2019 en Puerto Rico, pero se vio obligado a posponerlo rápidamente debido al temblor de la isla por una poderosa serie de terremotos de magnitud superior a 6.0. La producción se vio aún más afectada por la pandemia en julio pasado cuando Disney Plus tuvo que presionar el botón de pausa para la serie y otros proyectos derivados de MCU TV, “Loki” y “WandaVision”. Las últimas tomas de la serie protagonizada por Mackie y Stan terminaron a finales de octubre de 2020.

Mira el tráiler completo a continuación:

¿Preparados? Nuevo tráiler de #FalconYElSoldadoDeInvierno, una serie de Marvel Studios. Disponible a partir del 19 de marzo en exclusiva en #DisneyPlus. pic.twitter.com/yCBYft56Ad

— Disney+ España (@DisneyPlusES) February 8, 2021

WandaVision regresa a Disney Plus el viernes 12 de febrero. Antes de que lo haga, mira el nuevo tráiler del Episodio 6.

WandaVision ha mantenido a los fanáticos del Marvel Cinematic Universe al borde de sus asientos. La serie Disney Plus es la primera de la cuarta fase de MCU y ya la ha abierto con nuevas historias.

Elizabeth Olsen y Paul Bettany han regresado a sus respectivos roles de Wanda Maximoff / Scarlet Witch y Vision en una historia diferente a cualquier cosa que el MCU les haya dado a los fanáticos hasta ahora. Existiendo en lo que parece una verdadera comedia de situación, los dos han tratado de vivir felices para siempre. Sin embargo, el cuarto episodio reveló que podría haber algo siniestro debajo de todas las risas.

Monica Rambeau (Teyonah Parris) fue expulsada de la comedia cuando su personaje, Geraldine, parecía saber demasiado sobre el hermano de Wanda, Pietro y Ultron. A su regreso, reveló lo que los fanáticos comenzaban a sospechar: se trata de Wanda. Pero desde que WandaVision regresó al mundo de las comedias en el último episodio, ¿cuál es el futuro de la serie en el sexto episodio? ¿Hay un tráiler del episodio 6?

Marvel Studios aún no ha publicado un tráiler del episodio 6 de WandaVision. Al tratarse de una serie exclusiva para streaming, es probable que Marvel no publique semanalmente un nuevo tráiler de los próximos episodios. Es menos necesario, ya que no se emitirá directamente después del episodio, como lo haría una promoción de una serie de la cadena de televisión después de la emisión del episodio anterior.

Mientras tanto, sin embargo, aprovechemos este momento para volver a ver ese tráiler, ya que algunos de los clips sin duda aparecerán en el episodio de la próxima semana.

La cuestión es qué escenas se mostrarán y qué sucederá. Una forma de averiguarlo.

El episodio 6 de WandaVision se emitirá en Disney+ el viernes 12 de febrero a partir de la medianoche. No olvides consultar aquí si los tráilers del sexto episodio estarán disponibles y cuándo.